NewSounds 2011

Me gustaría compartir con vosotros este disco. Se trata de el último trabajo de varios grupos y jóvenes artistas nacionales que quieren darse a conocer. En él encontraréis momentos muy especiales, como el piano existencialista de David Haller o las melodías amantes de Unsuspected, pasando por el ambient de Evey Mills y un lado oscuro noise de Manfred...

En definitiva un álbum para despedir el año con mucho sentimiento. Enhorabuena a todos.

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CD1
CD2

John Cage- 4′33″

"No entendieron su objetivo. No existe eso llamado silencio. Lo que pensaron que era silencio, porque no sabían como escuchar, estaba lleno de sonidos accidentales. Podías oir el viento golpenado fuera durante el primer movimiento. Durante el segundo, gotas de lluva comenzaron a golpetear sobre el techo, y durante el tercero la propia gente hacía todo tipo de sonidos interesantes a medida que hablaban o salían."

—John Cage sobre la premier de 4′33″-

Uno siempre dice tal grupo es original y tal otro no lo es. Pero en mi joven experiencia como melómano me he dado cuenta que todos combinan su material genético intentando sacar algo diferente, negando las procedencias paternas en muchos casos.

He tenido la suerte últimamente de rodearme con personas de gustos extravagantes musicales, pero en parte también la mala suerte. Mires por donde lo mires el "underground" está lavando el cerebro a muchos. ¿Y que es el underground? ¿un piojo que lucha contra la cultura mainstream, en general el pop, pero no solo él?. Rechazamos un disco de tal grupo y otro disco de tal grupo lo elevamos al cielo, cuando lo que hace falta en realidad es el silencio y conocer todo tipo de desnudo.

John Cage fue el gran artífice del silencio y del azar. Partió de la idea de que uno no puede crear nada nuevo cuando improvisas debido a que tus gustos te influyen. El desinterés por la improvisación en su obra es por tanto es latente. ¿Y que le queda entonces? el azar y el silencio como dije antes. Por ejemplo, en Child of Tree (1975) y Branches (1976) pide a los intérpretes que utilicen ciertas especies de plantas como instrumentos, por ejemplo el cactus. La estructura de estas piezas está determinada a través del azar de sus elecciones, siendo este el resultado musical.

No pretendo entrar en ese estúpido debate de que es ruido o música, simplemente quiero mostrar que bajo una capa aparentemente absurda se puede esconder toda una complejidad de ideas.

Frases aleatorias, acordes aleatorios, ritmos aleatorios, etc. Quizás eso es los que no queda para poder componer algo radical, ya sea en la literatura, música o cine.

Entrando ya en esta obra, cuando Cage se presentó ante toda una audiencia con una orquesta y sacó un reloj de su bolsillo para medir 4′33″ de silencio. Se armó un gran escándalo en la sala, muchos se fueron indignados pensando que les estaban tomando el pelo, recitando el tópico "el arte contemporáneo es una basura".

Los prejuicios de los espectadores hicieron no apreciar el sentido de la obra, escuchar los ruidos humanos o de la naturaleza que se producen en un concierto.

Quizás Cage es el precursor de toda la escena Noise con esta obra. En fin amigos, no esperen un enlace de descarga esta vez, os podéis conformar con un vídeo del youtube.

http://www.youtube.com/watch?v=hUJagb7hL0E

Tesseract - One

Siempre es curioso ver cómo va evolucionando todo el mundillo de la música. Como fiel seguidor del género progresivo que soy no puedo evitar soltar una sonrisilla cuando escucho aquellos grupillos alegrotes, con voz poco masculina, que protagonizaban el paronama progresivo de los años 70-80; al compararlos con la evolución que está teniendo éste género actualmente, inmerso de lleno en ese mundo duro, enérgico y oscuro que es el Metal.

Así pues, escuchando uno Tool u Opeth (por poner un par de ejemplos) uno puede observar cómo la música progresiva ha pasado a describir parajes caóticos, oscuros y hasta algunas veces pesimistas; cambiando completamente de estilo, pero sin salirse de los cambios y ritmos típicos que definen la base del género.

Ahora el panorama metalero de vanguardia tiene un nombre: Djent. Derivado del metal progresivo e incluyendo bases de math rock, hardcore y un tecnicismo impresionante, fué introducido por Meshuggah, principalmente. Y está cogiendo poco a poco mas y mas fuerza, inspirando a una cantidad considerable de grupos que están sacando por primera vez sus cabezas al mundo.

Una de las bandas que irrumpen en el paronama mas actual, provenientes de éste género es, el cada vez mas reconocido, TesseracT. Sacó su primer disco "One" éste mismo año, y desde entonces no ha parado de moverse.

Ésta banda inglesa contaba en su formación inicial con: Acle Kahney (guitarra), Jay Postones (Batería), James Monteith (Guitarra), Amos Williams (Bajo) y a Daniel Tompkins (Voces). Aunque el pasado noviembre cambiaron a éste último. Ahora el hombre es Elliot Coleman (no es la primera vez que cambian al vocalista, este ya es el 4º en la lista).

Del disco me falta decir que simplemente es una maravilla. Quizas para quien no esté acostumbrado al género puede echarle para atrás el primer contacto, pero para los que esteis inversos en el género os quedareis con ganas de repetir, seguro. Habrá que seguir a esta banda de cerca.

En fin, no me entretengo mas, aqui el enlace: http://www.mediafire.com/?q02s844kzb6gilu

The Fall- Hex enduction hour

The Fall es una banda post-punk, formada en Manchester en 1976. La banda ha existido en cierta forma desde entonces, y es esencialmente conformada alrededor de su fundador y unico miembro constante, Mark E. Smith. Inicialmente asociados con el movimiento punk de finales los 70s, su musica ha pasado por varios cambios estilisticos, pero suele estar caracterizado por un uso abrasivo de la guitarra y la frequente repetición de melodias, creando asi un sonido en el cual la particular voz de Smith y sus cripticas letras, lo hacen único.

The Fall suele ser una banda prolifica: hasta Febrero del 2008 han editado 26 albumes, y mucho mas si se cuentan la cantidad de albumes en vivo y otras ediciones. Nunca tuvieron demasiada repercusión o exito a nivel masivo, por lo cual se la considera una banda de culto. La Banda era una de las favoritas del ya difunto DJ de la BBC, John Peel, quien una vez llego a decir que The Fall: «siempre son diferentes, siempre son lo mismo»

Bajo mi punto de vista, el señor ruso dice que este disco es uno de esos que hay que escuchar antes de palmarla, si bien a la gente que le gusta etiquetar las cosas los llaman Post Punk ni mucho menos se parecen a Joy Division. Melodías repetitivas, alegres, para levantarte una mañana y parecer que te has metido LSD en el cuerpo. Una de las cosas por las que más me arrepiento ahora es no haberlos visto en "Territorios Sevilla" el año pasado (Sí, tocaron en mi Sevilla).

Enlace: http://www.mediafire.com/?v4fofovrzmvvdem

Wire- Pink Flag

Su sonido suele asociarse a un subgénero de punk rock denominado art punk o post-punk, lo que se debe principalmente a su sonido atmosférico y rico en detalles, letras de temática generalmente oscura y, en menor medida, a su postura política situacionista. El grupo mostró un continuo desarrollo desde un estilo temprano lleno de estridencias (1977, Pink Flag) a un sonido más complejo y estructurado basado en un uso más amplio de sintetizadores (1978, Chairs Missing y 1979, 154). Con el tiempo han llegado a tener una tremenda influencia sobre gran variedad de bandas y estilos de la música rock, especialmente sobre grupos como Elastica, Menswe@r, The Urinals, The Minutemen, R.E.M. (que versionó «Strange» en su album Document ) y más recientemente Bloc Party, The Futureheads y Franz Ferdinand. Ian MacKaye de la banda de punk hardcore Minor Threat es también un gran seguidor de Wire, y su grupo versionó una de sus canciones, «12XU,» en su album Complete Discography. Big Black interpretó el «Heartbeat» de Wire en dos ocasiones, una en versión de estudio, publicada como single (el single fue también incluido en el disco recopilatorio Rich Man’s Eight Track Tape), y también como versión en vivo incluida en el video del álbum Pigpile.


Enlace: http://www.mediafire.com/?u3km2tvyrym

Archaeopteryx Ultraavantgarda- First EP

Gafapastas que dicen que en España no hay música más allá de Triana y los "Postpunketas" españoles, yo el señor ruso oso a contradeciros.

Andando por Last fm uno puede encontrar grupos y gente interesante o ambas cosas a la vez. Este es el caso, Charles_Heres (en last fm) un mozo lozano de 19 años que con sus "grupis" y demás el año pasado montó Archaeopteryx Ultraavantgarda, una banda que no encaja en estos tiempos de cocaína "indie".

Su música incorpora elementos del Krautrock, principalmente los ritmos motorik, esto viene a ser repetir continuamente un ritmo (batería) básico de rock. También es palpable la influencia del Post rock "noventero", quizás no de las bandas más ruidosas de esta movida como Mogwai, más bien de los "protopost rock" dígase por ejemplo Talk Talk (su época molona) o Slint. Por último hay que notar la presencia de riffs de guitarras que rozan lo progresivo en algún tema.


Hay que decir además que en este blog se acaba de introducir un miembro de esta banda "Maxwell Mackintosh" (su nombre en el blog), un gran lujo.

Os dejo con su descripción en Last fm:

"Arcaheopteryx Ultraavantgarda nace en 2010 como baluarte frente a la incultura moderna, un bastión alzado como ensalzamiento de la originalidad, la pasión, el arte multidisciplinar y sobretodo, lo anómalo del retrofuturismo y sus vanguardias."

Esperemos sigan, que cuatro temas se quedan en poco.

Enlace: http://www.mediafire.com/?6yaq1w4dnlmhk4p

Curved Air - Airconditioning

Pioneros del rock progresivo, los ingleses Curved Air lanzaban a la escena musical su debut en 1970. Este trabajo se recuerda principalmente por contener sustanciosos avances:

- Se trata de una de las primeras bandas de rock en incorporar el violín a sus composiciones, conjuntamente con dos grupos californianos legendarios, It's a Beautiful Day y The United States of America.
- Obtuvo un importante hype al tratarse del primer disco accesible comercialmente que incluía una imagen en el grabado del LP, que se trataba de una reproducción de la misma portada. Esto hizo que el álbum llegara al número 8 de las listas inglesas, allanando el camino para el nuevo género progresivo que hasta entonces era considerado un movimiento underground.

El diseño de la portada corrió a cargo de Mark Hanau y ganó el premio especial "Best album art" de la New Musical Express Magazine (UK)

Cabe destacar además que a pesar de que la imagen sobre el vinilo hacía que hubiera un desagradable ruido de superficie, ya que la tecnología de grabado estaba aún dando sus primeros pasos. Hubo que esperar hasta el Tubular Bells de Mike Olfield (1973) para disfrutar pletamente de esta disciplina.

En definitiva, recomendadísimo álbum en el que se aprecia a la perfección el carácter artístico de esta banda, aderezado con unos toques supremos de barroquismo y cámara.

LINK: http://www.mediafire.com/?wxeoenhh1748ax4

The Shaggs- philosophy of the world

Si a cualquier escucha más o menos versado se le pide que nombre un puñado de autores que se hayan adelantado a su época con obras que escapen a toda etiqueta y que, al mismo tiempo, constituyan pruebas de fuego para lo oídos, tal lista incluiría seguramente a Captain Beefheart, Albert Ayler, Red Crayola, Ornette Coleman, The Velvet Underground y otros, dictados por el gusto personal. A esa lista debe anexarse un grupo que, por su sola intención musical, merece un capítulo aparte: The Shaggs.

The Shaggs no fueron expertas en musicología, ni sostuvieron teorías vanguardistas, no buscaron asustar a sus oyentes y ni siquiera se engancharon a los excesos. Sus influencias —eso aseveraban— estaban cifradas en Herman Hermit’s, Ricky Nelson, The Monkees y Desi Arnaz (crooner cubano de los años cincuenta, conocido por su papel como Ricky Ricardo en el programa de TV «I LOve Lucy»). Son tres hermanas que cuando grabaron su álbum debut, en 1969, ingresaron, sin saberlo ellas, a un terreno estético y ético del que son únicas habitantes.

Philosophy of the World (RCA Victor/BMG Clasicss, 1999) es más un reto que un simple disco. Es una muestra de que por las vías de la ingenuidad y el desenfado tres adolescentes de Fremont, New Hampshire, impulsadas por su visionario padre, lograron hacer un disco que parece emerger de un sitio donde no existe la radio, las grabaciones fonográficas, ni las nociones más elementales de ritmo, melodía o armonía. No es ruido ni caos lo suyo. Al cabo de tres audiciones completas y continuas de ese redondo —de las que no los oídos no salen íntegros— se advierte que The Shaggs poseen una lógica interna muy propia, una manera de estructurar sus canciones que desbarata todo lo conocido hasta ahora como música pop. Acordes cortados de tajo, voces ajenas a cualquier afinación, ritmos descuadrados, abruptas transiciones armónicas y una batería que obedece a la extraña percepción de su ejecutante (más que a la inexistente simetría interior de las canciones) se extienden a lo largo de 12 temas que, al final y sin embargo, logran aglutinarse como artefactos que funcionan espléndidamente. O como señalara con precisión Bruce D. Rhodewalt de Los Angeles Weekly: “Si podemos juzgar a la música basándonos en su honestidad, originalidad e impacto, Philosophy of the World, de The Shaggs, es el disco más grandioso jamás grabado en la historia del universo”.

Enlace:http://www.mediafire.com/?cmzzwlhmtjc

Billy Nichols - Would You Believe?

Nos situamos en el año 1968: Billy Nichols era por aquel entonces un joven londinense que se abría al panorama musical con sus propias canciones, la mayoría inspiradas en album "Pet Sounds" de los Beach Boys. El resultado fue un fresco y brillante trabajo, que algunos calificarían como prodigio de la crecida psicodelia y el primerizo Flower Pop.

Sacado a la luz apenas cumplió la mayoría de edad, Inmediate Records, que se encontraba al borde de la quiebra, hubo de retirarlo del mercado meses más tarde.

Hoy en día es una cotizada obra de la psicodelia inglesa.

Cuidada orquestación en las cuerdas y en el viento amén de alguna que otra suntuosa guitarra eléctrica brindada por el gran Steve Marriott, del grupo The Small Faces

LINK: http://www.mediafire.com/?9oy0metbwdwyzmw

Nick Drake- Pink Moon

Nicolas Rodney Drake (19 de junio de 1948 - 25 de noviembre de 1974) fue un cantautor folk inglés.

Drake publicó sólo tres álbumes en su corta vida - Five Leaves Left (1969), Bryter Layter (1970) y Pink Moon (1972). Five Leaves Left consistía esencialmente en guitarra acústica, con ciertos arreglos orquestales de cuerda y viento, más Bajo y batería. Bryter Layter introdujo un sonido jazz más comercial, con teclados, etc. Pink Moon, grabado en dos sesiones de dos horas a partir de la medianoche, tiene como instrumentación, aparte de la voz de Nick Drake, tan sólo su guitarra y el piano en el tema que da título al álbum. Después de grabar este disco Drake afirmó: «No tengo nada más que decir».

Nacido en Birmania por motivos de trabajo de su padre, Nick Drake creció en la pequeña ciudad inglesa de Tanworth-in-Arden, cercana a Birmingham. Fue a la escuela pública de Marlborough, y después a la universidad de Cambridge, donde inició sus estudios de Literatura Inglesa. Nueve meses antes de terminarlos, abandonó los estudios para lanzarse a su carrera musical.

En agosto de 1986 se publicó una caja con sus tres álbumes que añadía un disco con 4 canciones grabadas en 1974 y otros trabajos inéditos: Fruit Tree. Este último disco fue publicado un año después separadamente con el título Time Of No Reply.

En 2004, siendo Nick Drake ya un artista de culto y a punto de cumplirse 30 años desde su muerte, se publicó Made To Love Magic, un álbum que contiene grabaciones inéditas de algunas de sus canciones, arreglos añadidos a otras y un tema nuevo, desaparecido hasta entonces.

El hecho de no ofrecer giras dificultó que su música se diera a conocer.

Enlace: http://www.mediafire.com/?zutojyebjmm

Serge Gainsbourg- Histoire de Melody Nelson

Si hablamos de Serge Gainsbourg, debemos decir que tenía una especial predisposición para hacer discos conceptuales, algunos de ellos más conceptuales que otra cosa, como el hecho de hacer un disco de rock and roll mezclado con temáticas nazis, disco bastante obviable, aunque lo haya hecho antes que los Residents.

Un par de esos discos conceptuales, son historias, mitad cantadas y mitad habladas, como esta, la extraña “Historia de Melody Nelson”, cuya voz es representada por Jane Birkin, la muchachita que aparece en la portada del disco; el personaje Melody Nelson tiene unos quince años, aunque Jane estaba un poco mas crecidita. De este disco se podría decir que es de rock, aunque tiene un par de baladas, y hasta un vals. Los arreglos orquestales son de Jean-Claude Vannier, y el “violero” es Alan Parker. El poeta maldito de Francia, con toda la noche parisina a cuestas, nos relata una historia llena de sexo, perversión, lujuria y fetiches. Musicalmente el álbum muestra su clásico estilo chanson y spoken-word de sensualidad inigualable, con algunos toques de R&B y funk a fuego lento. Es sin lugar a dudas un clásico del french-pop y si bien marca y define la tendencia dominante de la escena de Paris de aquel entonces, aún sigue sonando fresco y moderno.

Para disfrutar en el diván, bien entrada la noche, aperitivo con hielo y esperando el amanecer en buena compañía. Pónganse cómodos

Enlace:http://www.mediafire.com/?nvkab7so1qaj5fb

Iggy Pop- Lust for life

James Newell Osterberg, Jr., más conocido por su nombre artístico, Iggy Pop, nació en Muskegon, Michigan el 21 de abril de 1947. Es un cantante estadounidense de punk rock. Pese a tener un éxito comercial limitado es considerado uno de los mayores innovadores en el punk rock y estilos relacionados.

Iggy fue el cantante de The Stooges una banda de fines de los 60 y principio de los 70 muy influyente en desarrollo del punk. The Stooges se hizo famosa por sus actuaciones en vivo, en donde Pop saltaba del escenario (inventando así el stage diving o salto al público), se tiraba carne cruda y manteca de cacahuete sobre el pecho y se cortaba con botellas rotas. Muchos otros han imitado las travesuras de Iggy.

Aunque no volverá a tener la vitalidad de sus días con The Stooges, Iggy tuvo distinto grado de éxito en sus 25 años de carrera como solista. Sus temas conocidos incluyen Lust for Life, I’m Bored y The Passenger. Cabe citar la importancia de la ayuda de David Bowie a Iggy en discos como Lust for life y The idiot.

Enlace: http://www.mediafire.com/error.php?errno=378

Michael Nyman (Tres discos)

Michael Nyman (23 de marzo de 1944 — Stratford, Londres) es un pianista, musicólogo y compositor minimalista. Es uno de los músicos británicos más innovadores y aclamados. Su trabajo abarca óperas, cuartetos de cuerda, bandas sonoras y conciertos orquestales. Además es intérprete, director, escritor, fotógrafo y cineasta, mucho más que un mero compositor. Considerado como un “hombre del renacimiento”, su inquietud creativa y su polivalencia artística le han convertido en uno de los íconos culturales más fascinantes e influyentes de nuestro tiempo. Michael es conocido sobre todo por las obras escritas durante su larga colaboración con el cineasta británico Peter Greenaway.


Su disco debut producido por Brian Eno para su sello de música experimental. Ni Brian ni Michael engañan a nadie: dos temas de aproximadamente media hora cada uno que llevan al máximo la experimentación y búsqueda de nuevas formas musicales. El primer tema, “1-100”, es un equivalente casi matemático que Nyman crea para servir de paralelo a una idea de Peter Greenaway para el corto del mismo nombre. Si en “1-100” Greenaway nos muestra esos cien números en contextos diferentes, el acompañamiento de Nyman es nada más y nada menos que un acorde distinto por cada número, lo que convierte a la pieza en una aburrida sucesión de cien acordes con un valor únicamente experimental pero de casi nulo disfrute musical.

La segunda pieza (Bell set nr.1) es un juego de campanas que llega a hacerse bastante pesado y que nos quiere demostrar las cualidades de un set de campanas que nuestro hombre compró en Turquía. Hay que ver...

Su segundo álbum es al mismo tiempo su primer disco con algo que decir en el terreno de lo musical. Alucinado por las posibilidades de “Campiello Band” (banda que él juntó para adaptar unas canciones del siglo XVIII por encargo, y que según él era “una banda callejera amplificada”) la rebautiza como “The Michael Nyman Band” y se pone manos a la obra para componer repertorio para tocar. En este álbum encontramos piezas que se convertirían en clásicos, como “In Re Don Giovanni” o “Bird List Song”. El sonido de este álbum es seco y primitivo. Ya podemos encontrar los rasgos de Nyman que le harían famoso, pero todavía suena demasiado radical y recargado. Todavía es un Nyman minoritario.

Como curiosidad, el mismo año editó un álbum llamado “Mozart” que no era otra cosa que una reedición de algunas piezas de su disco anterior, renombradas y con el orden alterado.

Tercer disco,The Draughtsman's Contract, aquí es un deber mencionar a Mozart. Es cierto que la música está basada en maneras del genial compositor austriaco, pero para un oyente normal y corriente a veces es mejor dejar de lado toda la matemática con la que Nyman planea sus obras, y centrarse únicamente en el resultado final.

Y el resultado final aquí es más melancólico y dramático que en los otros dos largos para Greenaway. La sección de cuerda es omnipresente y los vientos y metales han perdido el papel principal que tenían en The Draughtsman's Contract. Es una banda sonora más ligera, pero no por ello más fácil de escuchar. A ratos es densa, y pese a que el tema final, “Endgame”, es un prodigio lírico, a muchos oyentes estos 53 minutos les pueden parecer aburridos. La melancolía y el lirismo son todavía algo fríos y distantes. Es bella pero no cercana.

Decay Music: http://www.mediafire.com/?jwjdtyyydwy

Michael Nyman Band, esencial: http://rapidshare.com/files/174602103/Michael_Nyman_-_The_Essential_Michael_Nyman_Band__1993_.rar

Drowning by Numbers http://www.mediafire.com/?myzz43jzd5n

Tom Waits- Rain Dogs

Nacido en en 1949, este cantante, compositor, actor e instrumentista ha tenido una carrera bastante prolífica y difícilmente etiquetable. Y es que, con algo más de veinte discos a la espalda, Tom Waits es de estos artistas que son tal y como se han hecho, de esos del “estilo personal”. Si bien es cierto que bebe mucho del blues, toca, o más bien transmuta su música con desgarros de jazz, tango, rock, música experimental, electrónica… una agría y atractiva mezcolanza, en definitiva.

“Rain Dogs” es un disco urbano, inspirado en el bajo mundo de NY, sus calles, bares, las viejas tuberías y el eco que generan en los sonidos, es el canto de un vagabundo que no sabe donde va a dormir. Curiosamente, como contraste, tiene tal vez algunas de las canciones más pop de su carrera: “Time” o la historia de amor a primera vista de “Downtown Train”.

Polkas, ritmos sincopados, rock, country, folk, jazz, balada, experimentación, blues, pop, roots… musicalmente complejo, participan más de 20 músicos e intervienen instrumentos poco usuales en el rock como marimbas, trombones, todo tipo de órganos, violines, banjos, trompetas, acordeones… además de algunos utensilios como metales o serruchos que se utilizaron para dar texturas y ruidos extraños. Entre los músicos hay algunos muy destacados, empezando por Keith Richards quien toca guitarras y hace algunos coros o Marc Ribot guitarrista de culto que su curriculum va desde el free jazz hasta llegar a la música cubana.

Enlace: http://www.mediafire.com/?dmbetrctwy1

Simon Joyner - Beautiful Losers

Simon Joyner (nacido en 1971) es un cantante y compositor de Omaha, Nebraska, Estados Unidos. Considerado por algunos como el antepasado de la escena musical emergente Omaha, ha influido profundamente en la música de Bright Eyes. Joyner también colaboró con John Darnielle, de The Mountain Goats, y Beck situó a Joyner en su top 10 cuando fue preguntado por la revista Rolling Stone. También es famoso por el llamado "Peel Incident", cuando el famoso DJ británico John Peel tocó su álbum The Cowardly Traveller Plays His Toll de principio a fin en directo.

http://www.mediafire.com/?he2fxsy5blk

Wim Mertens- Maximizing The Audience

Wim Mertens (nacido en Neerpelt, Bélgica, el 14 de mayo de 1953) es un compositor, cantante contratenor, pianista, guitarrista y musicólogo belga.

Mertens estudió Ciencias Sociales y Políticas en la Universidad de Leuven (graduándose en 1975), así como Musicología en la Universidad Ghent; también estudió Teoría Musical y piano en el Real Conservatorio de Gent y Bruselas. En 1978, se convirtió en productor en el entonces BRT (Radiotelevisión Belga). Para Radio 2 (Radio Brabant) produjo conciertos de Philip Glass, Steve Reich, Terry Riley, Meredith Monk, Urban Sax y otros, y tuvo un programa llamado Funky Town junto con Gust De Meyer (con el que grabó el CD experimental For Amusement Only).

Conocido sobre todo como compositor desde los últimos años setenta, Mertens es reconocido por su obra Struggle for Pleasure, la cual fue elegida como música para los anuncios del operador de GSM belga Proximus. Es también conocido por su pieza Maximizing the Audience, que fue compuesta para la obra de Jan Fabre The Power of Theatrical Madness, estrenada en 1984 en Venecia, Italia. El estilo de Mertens, aunque en continua evolución durante el transcurso de su prolífica producción, roza el minimalismo, la música ambiental y el avant-garde, normalmente, en cualquier caso, preservando la melodía de las incursiones que realiza en los mundos que explora.

La música de Mertens fue usada en la película de 1987 de Peter Greenway The Belly of an Architect, junto con la de Glenn Branca. Mertens también grabó bajo el nombre «Soft Verdict» y es el autor del libro American Minimal Music, acerca de la escuela de la música repetitiva americana, también llamada «minimalista».

En marzo de 1998 Mertens se convirtió en el Embajador Cultural de Flandes.

Enlace: http://www.mediafire.com/?o0d61nyrgkygkk3

Josef K- The Only Fun in Town

Josef K, bautizados así a partir del personaje central de la novela El Proceso de Franz Kafka, surgían en 1979 en la ciudad de Edimburgo fuertemente influidos por la sección más art del punk,new wave americano.

Paul Haig (voces y guitarra), Malcolm Ross (guitarra) y Ronnie Torrance (batería) formaban el núcleo de un grupo por el que pasó intermitente Gary McCormack (que más tarde acabaría en Exploited) hasta que David Wedell acabó asentándose como bajista.

Tras editar su primer sencillo (Chance Meeting) en el sello Absolute, Josef K pasaron a formar parte del hoy legendario sello Postcard, plataforma para la que, tras una serie de singles (entre ellos un doble 7” compartido con Orange juice, con quienes también girarían en repetidas ocasiones, sirviendo ambas bandas de referencia para aquel nuevo “sonido de la joven Escocia”), grabarían Sorry For Laughing durante dos semanas de 1980. Ni la banda ni el sello quedaron contentos con el sonido del álbum, que acabó siendo archivado.

El segundo intento de la banda dio mejores frutos. The Only Fun In Town, grabado en menos de una semana, fue editado en 1981 llegando a encabezar al poco tiempo de su edición las listas independientes del Reino Unido.

El grupo, desde su fundación reacionó a la adopción de los clichés típicos del rock, esquivos (no daban entrevistas, no solían hacer bises en sus conciertos, las fotos que hay de la banda son contadas) y dispuestos a tener una corta vida, se separaba en 1982 dejando espacio a sus miembros para comenzar irregulares carreras en solitario (caso de Paul Haig), empezar nuevas bandas (Wedell y Torrance se aliaron con Momus en The Happy Family) o enrolarse en grupos amigos de creciente éxito (Malcolm Ross pasó a ser miembro oficial de Orange Juice).

La música de Josef K es fría y es nerviosa, directa pero distante; hay algo elegante, muy lejano al exabrupto punk; contención, humor e ironía postmoderna sustituyendo al paroxismo no future; los ritmos invitan al baile (es funk, pero congelado y blanco) a pesar de no ser nada amables, las guitarras puntean los tiempos de forma rítmica, ruidosa, disonante, creando tensión y textura; las voces se adaptan al humor instrumental de los temas e imprimen personalidad al conjunto.
Corta vida (apenas tres años) y escaso legado discográfico (un único LP editado, The Only Fun In Twon (Postcard, 81), aunque la banda ya había grabado en 1980 Sorry For Laughing, un disco que nunca llegó a ver la luz oficialmente.

Fue una breve historia la que vivió esta banda, pero suficiente para que los encumbrará en uno de los podios mas importantes del movimiento indie.

Enlace: http://www.mediafire.com/?muymioyylvz

Mr Bungle- Mr Bungle

Mr. Bungle fue un grupo musical norteamericano formado el año 1985 en Eureka, California, con Mike Patton como vocalista. En sus comienzos, integró estilos musicales como el rock, heavy metal, funk y jazz, resultando en algo similar al funk metal. En sus posteriores trabajos, integraron estilos como el ska, swing y pop, entre otros estilos. La banda se disolvió el 2003.

Sus integrantes fundadores fueron Trevor Dunn en el bajo, Mike Patton en las voces, Trey Spruance en las guitarras y Jed Watts en la batería. La banda tomó el nombre de un payaso mal portado que mostraba a los niños las cosas que no se debían hacer en el programa «The Pee Wee Herman Show»..

Mr. Bungle fue conocido por sus distintivos rasgos musicales, pasando por varios estilos en una sola canción. Muchas de sus canciones tenían una estructura poco convencional, utilizando una amplia gama de instrumentos y muestras. En algunos shows en vivo, sus integrantes aparecían disfrazados, y a menudo interpretaban varios covers.

Su primer álbum, producido por John Zorn y titulado Mr.Bungle fue lanzado el 13 de Agosto de 1991. La critica describió su sonido como «funk metal», y tuvo buenas ventas, que los llevaron a realizar un exitoso tour de promoción por Estados Unidos, incluso llegaron a tocar con mr.bufalo.

Curiosidad:

Durante la década de 1990, se intensificaron una serie de disputas con el vocalista de Red Hot Chili Peppers Anthony Kiedis, el cual decía que Mike Patton copiaba su estilo, cosa irrisoria teniendo en cuenta que la banda se formó dos años antes y que esta banda tiene una gran movida vanguardista. Kiedis sacó a Mr. Bungle de una serie de grandes festivales de música en Europa y Australia pues los RHCP se negaban a estar en el mismo festival y como tenían un mayor público optaban por ellos. Aquí dejo una parodia a RHCP de Mr Bungle que hicieron tras que los sacasen de un festival:

http://www.youtube.com/watch?v=pdHrGLkFG6U

Enlace: http://www.mediafire.com/?1mxxtejjsms

Bebo Valdés y Diego el Cigala- Lágrimas negras

Dionisio Ramón Emilio Valdés Amaro, Bebo (La Habana, 9 de octubre de 1918), es músico de jazz considerado como una de las figuras centrales de la época dorada de la música cubana y Diego Ramón Jiménez Salazar (Madrid, diciembre de 1968), Diego « El Cigala », cantante (cantaor) flamenco se unen en un único disco llamado «Lágrimas Negras» para dar a luz a una de las mejores fusiones jamás creadas.

Enlace: http://www.mediafire.com/?qjwqyzoezyi

Witch- Paralized

Witch es un grupo de Stoner / Doom Metal formado en Brattleboro, Vermont (EEUU). El grupo toca una mezcla de stoner rock con elementos del doom metal y riffs sacados de grupos de rock psicodelico de los 70 amenizados con la voz del cantante - guitarrista con su voz grave, sucia, pero a la vez melancolica. Cuenta con la colaboración del miembro de Dinosaur Jr, Joe Mascis, el cual se encarga de la batería.

Witch, en Paralyzed, cuya portada es de las peores de lo que va de año en cuanto a diseño y grafismo, lo ponen claro, no son el típico grupo que intenta hacer un revival de aquellos años en el que los artistas nadaban en ácido y otras sustancia psicotrópicas. A favor del trío está el ritmo agresivo que marcan a sus temas, la inmensa cantidad de efectos, distorsiones y demás aparatos que utilizan para sacar un sonido sucio y experimental, algo evidente en temas como ‘Mutated’ o ‘Sweet Sue’ (Imeem), en los que la voz de Thomas le da un plus de siniestralidad y esquizofrenia.

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The Prodigy- Invaders must die

The Prodigy es un grupo inglés que interpreta música electrónica, su sonido utiliza elementos del Rave, Drum n Bass, el Big Beat, Industrial, Electropunk, y algo de Punk y Hardcore, que logran un sonido único. Formado por Liam Howlett en los teclados, Keith Flint como vocalista y bailarín, y Maxim Reality como vocalista, MC en vivo. Leeroy Thornhill, bailarín, también fue un miembro de la banda desde 1990 hasta el año 2000. Una vocalista y bailarina llamada Sharky también se asoció brevemente con la banda en sus comienzos. The Prodigy disfrutó de su gran golpe de publicidad al ser pioneros en el movimiento underground de la música electrónica conocida como «rave». Desde entonces han adquirido una inmensa popularidad y renombre mundial. Algunas de sus canciones más populares son «Charly», «Out of Space», «Smack My Bitch Up», «No Good (Start the Dance)», «Breathe» y «Firestarter». «The Prodigy» han ido desarrollando varios estilos a lo largo de los tiempos, en sus inicios como pioneros de la música rave subversiva, y actualmente, como compositores de canciones electronicas con elementos punk en sus vocalistas.

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Sebadoh- III

Sebadoh fue una banda de indie rock formada en Northampton, Massachusetts por Eric Gaffney, DJ en la estación radial WOZQ, y por el bajista y fundador de Dinosaur Jr. Lou Barlow. Después de dejar Dinosaur Jr., Barlow se reúne con Gaffney para grabar una colección de demos que fueron lanzados por el sello Homestead como los álbumes The Freed Man del año 1989, y Weed Forestin de 1990. Jason Loewenstein ingresa el verano de 1989, siendo el sencillo Gimme Indie Rock de 1991 la primera ocasión en que interviene. Sólo en 10 ocasiones se presentaron en vivo en el período 1989 – 1990, entre Western Mass, Boston y New York, antes de lanzar su tercer álbum llamado Sebadoh III.

Después de salir de gira en 1991, junto a la banda Firehose, fueron fichados por el sello Sub Pop (distribuido por Domino Records en el Reino Unido y City Slang en el resto de Europa) en 1992, y dos meses después se lanzaban dos álbumes: Rockin’ The Forest y Sebadoh Vs. Helmet. El quinto álbum Bubble & Scrape fue grabado a fines del verano de 1992 y lanzado en abril de 1993, con 10.000 copias vendidas la primera semana, consolidándose como una de las bandas favoritas de la escena indie rock.

Junto a otras bandas como Pavement y Guided by Voices, Sebadoh fue pionera del rock lo fi, estilo de indie rock caracterizado por sus técnicas de grabación de baja fidelidad, a menudo con grabaciones multipistas.

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David Bowie- Heroes

David Robert Jones (8 de enero de 1947), más conocido como David Bowie, es un cantante polifacético, inclasificable dentro de un solo género, ya que su música involucra diversos estilos musicales como el rock, el pop y la música electrónica. Es también compositor, multiinstrumentista, productor, artista plástico y actor británico, fuertemente influyente en varias generaciones.




Nació en Brixton, un área de Londres, pero creció en el pueblo de Bromley, en Kent (actualmente parte del Gran Londres). Su carrera de músico comenzó en la década de los 60 como saxofonista y vocalista de varios grupos de blues, uno con los que pudo llegar a grabar fue The Manish Boys. Su nombre artístico fue obligado debido a la popularidad de Davy Jones, de The Monkees. El apellido Bowie fue elegido en honor del famoso personaje del Far West Jim Bowie. Desde 1992 está casado con la modelo Imán, con la que tuvo a su hija Alexandria, aunque fue con Angela Barnett (Angie), su anterior mujer, con quien tuvo a su hijo Zowie, ahora conocido como Duncan Jones, reciente ganador del premio BAFTA a mejor director por su opera prima «Moon».

Una de las señas de identidad más carismáticas es la diferencia de color de su ojo izquierdo, el cual fue dañado con un compás en una pelea en el colegio.

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