Steve Reich- Music for 18 Musicians (1976) y Different trains (1988)

"Todos los músicos del pasado, comenzando con la Edad Media, estaban interesados en la música popular. (...) La música de Béla Bartók se hace enteramente con fuentes de música tradicional húngara. E Igor Stravinsky, aunque mintió acerca de ello, utilizó toda clase de fuentes rusas para sus primeros ballets. La gran obra maestra Dreigroschenoper, de Kurt Weill, utiliza el estilo del cabaret de la república de Weimar y por eso es una obra maestra. Arnold Schoenberg y sus seguidores (...) crearon un muro artificial, que nunca existió antes. En mi generación tiramos el muro abajo y ahora estamos de nuevo en una situación normal, por ejemplo, si Brian Eno o David Bowie recurren a mí, y si músicos populares remezclan mi música, como The Orb o DJ Spooky, es una buena cosa. Esto es un proceder histórico habitual, normal, natural."

(Más minimalismo señores)

Steve Reich nació en Nueva York pero a raiz del divorcio de sus padres cuando aún era un bebé, iba a a pasar tanto tiempo allí como en California. Así, se licenció en filosofía en la Universidad de Cornell, antes de ingresar en la prestigiosa Julliard School para iniciar sus estudios de música. Asimismo, en la costa oeste estudió con Luciano Berio o Darius Milhaud en el Mills College. Trabajó, además, con artistas como Terry Riley e incluso participó en el estreno de la obra cumbre de éste, "In C". Sus viajes por el mundo, como en los casos de Riley o Glass, completaron sus influencias musicales. En el caso de Reich, su estancia en Ghana con el percusionista Gideon Alorwoyie, junto con sus estudios del instrumento balinés gamelan en Seattle, completan su formación musical y tendrán un gran impacto en su escritura.

El trabajo que tratamos aquí hoy está considerado como uno de los más importantes de Reich, si no el que más. "Music for 18 Musicians" es el primer trabajo de Reich para una formación extensa de músicos, aunque el título no tiene que tomarse de forma literal y la pieza admite un número mayor de ejecutantes. Reich comenzó a escribir la obra en 1974 para completarla 2 años después, ya en 1976.

Los 18 músicos originales se dividen en un cellista, un violinista, dos clarinetes (ambos al clarinete bajo), cuatro pianistas, tres marimbas, dos xilofonos, un metalófono y cuatro voces femeninas. La obra comienza con un ciclo de 11 acordes, desarrollados en la parte inicial y bautizados como "pulsos". El ritmo lo marcan los vientos y las voces. Cada intérprete toca una nota durante el tiempo que le permitan sus pulmones hasta completar el "pulso" y el metalófono marca cuándo deben cambiar el patrón o la sección a interpretar. Este ritmo se combina simultanemente con la pulsación rítmica de los pianos y las percusiones. Cada uno de los acordes iniciales se sostiene durante dos respiraciones completas de los clarinetistas antes de pasar al siguiente hasta cubrir los once. En ese momento se regresa al primer acorde, sostenido por dos pianos y las marimbas y sobre él se contruye la primera variación tras la que se pasa al segundo acorde y así sucesivamente.

Music for 18 musicians: http://www.mediafire.com/?0w38nu6kgbhi156

Different trains: http://www.mediafire.com/?uaxzm2jvnwu

Ordo Rosarius Equilibrio & Spiritual Front - Satyriasis: somewhere between equilibrium and nihilism (2005)

''La criatura ha nacido para depravar al mundo entero con promesas de salvación a través del nihilismo y la depravación sexual, acompañados por las melodías más maravillosas de apocalyptic-neo-suicidal-pop-folk'' 

La colaboración que une a dos de las bandas más exponentes del neo folk, ambas orientadas hacia géneros muy distintos pero a la vez muy cercanos. Tardaron dos años en grabar el disco, aunque sólo tenga dos canciones interpretadas por ambos. Excesiva originalidad, una trabajada ambientación (sonidos militares, trompetas extravagantes) ritmos marciales... un experimento muy exótico.

http://www.mediafire.com/?hnfunywznjd

Mouse on the keys - An Anxious Object (2009) + First EP

La creatividad no suele tener barreras, o eso suelen decir.

Si echamos un vistazo al país del sol naciente no es muy dificil darse cuenta del resurgir del math rock como una nueva corriente que acoge a numerosos grupos en el paronama actual de éste país.

Y no voy a hablaros de Lite, Rega, Mirror u otros tantos, que sí, vienen siendo grupos con calidad mas que suficiente. Pero como dijo nuestro amigo Maxwell Mackintosh en su post de Faraquet, suenan un poco a lo mismo de siempre.

Hoy os traigo una propuesta interesante: 2 pianos y una batería. Así es, seguimos hablando de Math rock, exactamente; y sin guitarras; ni cosas por el estilo. Mouse on the Key lo conforman Akira Kawasaki (batería, teclados), Atsushi Kiyota (piano & teclados), Daisuke (piano & teclados), y juntos forman ésta curiosa propuesta proveniente de Tokio, que publicaron su primer EP allá por 2007.

El album aquí recogido fué publicado en 2009 y ha sido su primer y hasta la fecha, único trabajo de larga duración.

En mi humilde opinión, de lo mejorcito que está dando esta corriente actualmente en Japón.

Enlace: http://www.mediafire.com/?15tj3tfetx5kuvw

Y como hoy me siento generoso también os regalo su primer EP: Sezession.

Enlace: http://www.mediafire.com/?ijclv99iybbfs9t

Alah, disfrutad de la vida, sed felices y dormid bien esta noche.

Faraquet - 7 Inch (EP)

Faraquet (1997 - 2001) fue una poco conocida banda que tuvo influencia en la escena del math rock de Washington DC. Influenciados por Fugazi, Jawbox y bandas similares, fue formada en un momento en el cual había muchas agrupaciones desarrollando el mismo estilo y muchos de ellos sonoramente similares... pero claro, juzguen ustedes mismos.

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Morton Feldman- The Rothko Chapel (1971)

Últimamamente se está tocando mucho en el blog el tema de los padres del minimalismo. Aquí tenemos otro.

Morton Feldman fue un destacado compositor norteamericano, conocido por algunas de sus singulares piezas instrumentales, compuestas por sonidos aislados de muy larga duración y para inusuales agrupaciones de instrumentos.

Siempre a través de John Cage, Feldman conoce a algunas de las más importantes personalidades de la escena artística neoyorkina, en la que por aquellos años destacaban Jackson Pollock, Philip Guston, Frank O’Hara y Samuel Beckett. Especialmente, se sintió fascinado por el primero y sus colegas; sus pinturas, enmarcadas dentro del expresionismo abstracto, se convirtieron en una nueva gran inspiración para él. A partir de ese momento, intentará extrapolar las pinturas de estos artistas a sus composiciones, tal y como queda reflejado en su siguiente comentario:

«Me interesa la dimensión global de Rothko, que anula el concepto de las relaciones entre proporciones. No es la forma lo que permite a la pintura emerger; el descubrimiento de Rothko ha sido el de definir una dimensión global que sostiene los elementos en equilibrio… Soy el único que compone de esta manera, como Rothko: en el fondo se trata solamente de mantener esta tensión, o este estado, a la vez helado y en vibración».

En cuanto a este disco está dedicado a la capilla Rothko ubicada en Houston. Mark Rohtko pintó los 14 cuadros que hay en el interior de esta capilla, la cual recién pudo inaugurarse un año despues de su muerte, en 1971.

La idea de este lugar, es que puedan realizarse ceremonias religiosas de cualquier credo, ya que no posee ningun símbolo relacionado a ninguna religión ni cultura; la música fue compuesta en el año de su inauguración, como homenaje a Rothko, quien tambien había hecho música inspirado en otro pintor, Philip Guston.

En este video pueden verse mas imágenes: http://www.youtube.com/watch?v=qxSt_w2ODaQ

Enlce: http://www.mediafire.com/?mwnwejurzne

Minor Threat- Complete discography (1980-1983)

Whashington DC, es uno de los sitios que me hubiera gustado visitar si fuesen los 80. Podría flipar con bandas como Bad Brains, Teen Idles, Fugazi o Rites of Spring. Señores estamos en la escena del Hardcore Punk.

Minor Threat fue una banda de corta vida (1980-1983). Su estilo se caracterizó por canciones con mensajes directos en sus letras que eran ejecutadas muy rápidamente, algunas veces en menos de un minuto. Poco a poco fueron alargando el tempo y dotando a éstas de una mayor complejidad compositiva.

La banda se vio rodeada de una gran polémica, ya que fue convertida en referente ideológico de la corriente Straight edge. Straight edge es un estilo de vida y un movimiento juvenil que inició dentro de la subcultura del hardcore punk, de la cual, sus seguidores hacen un compromiso de por vida para abstenerse de beber alcohol, usar productos derivados del tabaco, consumir drogas y ser promiscuo. Fue una reacción directa a la revolución sexual, el hedonismo y los excesos asociados al punk. En algunos casos, esto se extiende a seguir una dieta vegetariana o vegana, evitar el consumo de cafeína o ingerir medicamentos. El término fue creado por la banda Minor Threat en la canción del mismo nombre. La letra X es el símbolo straight edge más conocido, comúnmente portado como una marca en el dorso de ambas manos, aunque puede ser mostrado en otras partes del cuerpo de igual manera.

Enlace: http://www.mediafire.com/?jwf9mxy7mx0

Deerhunter - Turn it up faggot

Tratándose de una da las bandas del momento, podríamos obviar la presentación, pero para quien no los conozca, Deerhunter es un grupo formado en Atlanta, Georgia, en el año 2001. Los integrantes son Moses Archuleta, Lockett Pundt, Josh Fauver y Bradford Cox, siendo éste último el cerebro y líder indiscutible de la banda. Es difícil encuadrar su música en un estilo. Se les ha clasificado como shoegaze, pasando por post-punk o noise hasta, como ellos mismos lo han definido, ambient punk.

'Turn it up faggot' fue su debut. El título es lo que, según Cox, les gritaban en sus primeros conciertos, algo así como "dale caña, maricón". Este disco se grabó en unas condiciones especialmente dolorosas para los miembros de la banda, ya que Justin Bosworth, primer bajista de la banda que sería sustituido por Pundt, había muerto recientemente. Ésto se reflejó en el sonido del disco, que es el más agresivo de toda su producción. Con menos reminiscencias shoegaze y una notable carga punk, es éste un disco con una fuerza única y, aunque con un sonido menos pulido que otros trabajos del grupo, sigue siendo merecedor de toda atención.

Enlace: http://www.mediafire.com/?1weivz1gjuj

Voxtrox - Raised by Wolves EP (2005)

Sí, señores, un disco pop. Pero no un disco pop cualquiera, no, un EP en el que a lo largo de 7 canciones (5 más los dos bonus track que pegan completamente con el EP), Voxtrox recuerda a Belle And Sebastian, a Pavement, a Phoenix, a The Clash, a Elliott Smith, incluso a Sonic Youth. Y, con todo esto, suenan única y absolutamente como ellos mismos. No hay posible confusión. Las melodías directas, el ganchillo del piano, el bajo jazzero, las guitarras distorsionadas…

Los de Austin lo hacen como ninguno, crean un estilo completamente propio y son de lo mejor si lo que te apetece es quedarte atrapado en esa melodía melosa, que pide mil veces que le des al botón de repetición. La absoluta joya del EP, The Start Of Something, entrará por tus oídos como venida de otro mundo y querrás repetirla una y otra vez. Pop perfecto, para que se vea que no sólo existen Wilco y Arcade Fire en este mundo.

Enlace: http://www.mediafire.com/?mvemyt20vv7

Fantômas - The Director's Cut (2001)

Mike Patton (Mr. Bungle, Faith No More) ha sorprendido, sorprende y esperemos siga sorprendiendo por muchos años más. Este es el segundo disco del supergrupo Fantômas, integrado por el mismo y Buzz Osborne (guitarra, The Melvins), Dave Lombardo (batería, Slayer) y Trevor Dunn (bajista, Mr. Bungle, John Zorn, Secret Chiefs)

Se trata de un trabajo altamente recomendable, el cual se compone de versiones de famosas bandas sonoras del séptimo arte, todas ellas siguiendo un estilo característico que hace que en ocasiones sea difícil reconocer el origen de éstas.

Sin duda, una joya (o cuanto menos un trabajo muy interesante) para cualquier cinéfilo con intereses en la escena avant-metal.

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Blacklisted - No one deserves to be here more than me

Blacklisted es una formación hardcore formada en Filadelfia, Pennsylvania. Su trayectoria duró de 2003 a 2011. Tocaban un hardcore que se puede considerar old school, además de ser uno de los mayores exponentes de la corriente straight edge.


En éste, su último trabajo, se alejan del sonido hardcore que les caracterizaba y hacen un homenaje al sonido grunge de los 90.

Enlace: http://www.mediafire.com/?ymjlnay320M

Zechs Marquise - Getting Paid (2011)

Aquí os presento una propuesta fresca, la cual me tiene enganchado estos días. Se trata de Zechs Marquise, lo último de los hermanos Rodríguez-Lopez (los que no son famosos, es decir, sin incluir a ajetreado Omar, guitarrista y compositor de The Mars Volta, entre otras formaciones).

Así es, ésta banda proveniente de El Paso, Texas, está conformada por el trío Rikardo, Marcel y Marfred Rodríguez-Lopez e incluye a Marcos Smith y Mattheq Wilkson en su formación. Han estado colaborando desde 2003 en conciertos de su hermano mayor y el pasado septiembre sacaron a la luz su segundo disco de estudio, denominado Getting Paid.

Getting Paid nos ofrece una musica instrumental, elaborada y tremendamente experimental; en lo que podríamos denominarlo cómo rock progresivo experimental o de vanguardia. Bebiendo directamente de la corriente progvanguardista de El Paso, éste grupo nos ofrece una música sin palabras, pero tremendamente sugerente, en la que no dejamos de ver influencias de innumerables tendencias, como pueden ser el jazz, psicodelia, sonidos latinos, en incluso electrónica, como ese sonido "dubstepniano" a principio del tema Low Jaw Night Vision, por poner un ejemplo.

Una obra a la que merece darle, como mínimo, una oportunidad.

Enlace: http://www.mediafire.com/?49b2k9i9rm84hzu

La Monte Young & Marian Zazeela - Dream House 78'17

Estamos en épocas de exámenes, la mayoría (sí, se que esta información es irrelevante). Y mientras tanto en mis oídos suenan las rebajas musicales. Rebajas que para muchos es sínonimo de simpleza. He de señalar antes de seguir la diferencia entre sencillo y simple en el ámbito musical. Sencillo es algo que carece de adornos. Simple es una composición de fácil representación.

Con la explicación anterior quiero señalar que pese a que una pieza musical carezca de adornos puede ser compleja y de difícil ejecución. Esto es el minimalismo amigos y La Monte Young uno de sus padres. Estamos ante piezas de duración infinita, que se pueden prolongar hasta el fin de los tiempos. No hay apenas variaciones o progresiones. Redución hasta a lo absurdo, como un texto de Samuel Beckett. A pesar de todo no falta virtuosísmo en los músicos . Virtuosismo más que nada para mantener una masa de sencillez en el largo del espacio tiempo.

La Monte Young es pionero en el concepto de las duraciones extendidas del tiempo en la música contemporánea durante 35 años. Así mismo, su obra ha desempeñado un papel importante en el desarrollo del uso de la Entonación Just en la música del siglo XX y del crecimiento del estilo Minimalista. Implicado de manera temprana en el jazz, durante los años 50 fue músico de saxofón de jazz en Los Angeles, tocando con Eric Dolphy, Ornette Coleman, Billy Higgins y Don Cherry, entre otros. Después de graduarse en sus estudios de composición en la Universidad de California en Berkeley, se mudó a Nueva york, donde dirigió su primer concierto en esa ciudad. Vive en Nueva York desde entonces. Cabe citar que fue alumno de Pandit Pran Nath, del cual subimos un disco hace poco.

Información de interés http://www.uam.mx/difusion/casadeltiempo/88_may_2006/casa_del_tiempo_num88_46_48.pdf

Enlace: http://www.mediafire.com/?tytmg2ajewm

Miklós Rózsa - Quo Vadis (1951)

(Sí, es exactamente lo que parece.)

Miklós Rózsa nació en Budapest en 1907 y murió en Los Ángeles en 1995. Pasó a la historia como uno de los mayores compositores de bandas sonoras de la historia del cine, citándose en su haber poco más de 100 títulos. Fue especialista en orquestar el género épico de Hollywood.

Algunas de sus trabajos célebres son "Perdición" (Billy Wilder) "Recuerda" (Alfred Hitchcock) "La Jungla de Asfalto" (John Huston) y algunas de las más recordadas y colosales obras de drama histórico y no tan histórico, como "Ivanhoe", "Julio César", "Los caballeros del Rey Arturo", "Ben-Hur", "Rey de Reyes" y "El Cid"

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Corpus Delicti - Sarabands (1996)

Corpus Delicti es una de las bandas más representativas del rock gótico en Francia durante los 90. Sus letras, muy existencialistas, reflejan el mejor estilo de Joy Division mezclando también el primer sonido del death rock y el after punk. Junto con Christian Death se considera una de las bandas mejor valoradas dentro del genero.

Sólo llegaron a sacar tres discos y un maxi. Hoy en dia cualquier material antiguo del grupo es casi imposible de encontrar, por suerte hace varios año el sello D-Monic reeditó todo su material. Este recopilatorio fue editado por Cleopatra Records, sello bastante importante para la escena de la época.

http://www.mediafire.com/?tykzl1yruoy

Schönberg - Pierrot Lunaire (1912)

"Un rayo de luna hace de remo, un nenúfar le sirve de barca. Pierrot navega hacia el Sur, con viento favorable."

Compositor, teórico musical y pintor austriaco de origen judío nacido en 1874, Schönberg se adentró en la composición atonal y dodecafonista. Hay quien lo odia, y hay quien lo ama. 

Su obra capital, 'Pierrot Lunaire', se basa en una serie de poemas escritos por el belga Albert Giraud, tremendamente simbolistas, en los que narra la vida de Pierrot, bufón y arlequín de la comedia dell'arte, convertido en un lunático protagonista del boulevard parisino. Pierrot nos habla de la magia de la luna, de lo grotesco y cruel de la vida, de la decadencia, soledad y nostalgia del hombre moderno, y del amor, sexo, religión, blasfemia o violencia. Los versos fueron publicados en francés en 1884, y traducidos posteriormente. 

Schönberg puso música a dichas composiciones, dándoles toques predominantemente atonales, expresionistas, postrománticos, y de cabaret alemán, utilizando una orquesta de cámara, mientras una potente voz femenina recita los poemas como si hablase con su vecino, pero respetando ritmos y alturas. Su estreno fue muy polémico

Gran amante de los números, comenzó a componer música para los 21 poemas, catalogadas en el op. 21, el día 12 de marzo de 1912. Loco, pero inteligente.

Incluso Björk, conocida por su interés en la música de vanguardia, realizó una grabación de la obra en 1996, de la que sólo se conocen un par de extractos. 

"Con un ridículo y enorme arco Pierrot rasca las cuerdas de su viola. Como una cigüeña que se agarra con una pata, toca él con tristeza un pizzicatto."

Descárgatelo de mediafire aquí. 

Young marble giants- Colossal Youth [1980]

"Melodías que esconden una crítica a la razón instrumental', se me ocurre decir eso porque al escuchar este disco uno entra en otra percepción del tiempo, donde los instantes amplían su futilidad y se transforman en disfrutes de la candencia, candencia que se desintegra al igual que una granada que cae parsimoniosa de un árbol en otoño, pero que con su irrupción da el fermento para que el trascurso de los días de la máquina se doblen."

Young Marble Giants era una banda post-punk compuesta por tres integrantes y formada en Cardiff, Gales.

Cuando el Colossal Youth apareció en 1980, era algo tan distinto como impresionante. Esto no tenía nada que ver con el ruido de unos Wire, el funk de unos Gang of Four, el dub del Pop Group, la electrónica de unos Cabaret Voltaire, el anarquismo industrial de unos Throbbing Gristle… Esto era todo reduccionismo, simplicidad, música de una aparente serenidad que si no podía ser despachada como «agradable» era solo debido a que en ella se percibía algo de morboso, de ira contenida a la que no se permitía estallar en exabruptos.

Los YMG surgían de una ciudad periférica y sin más historia musical por aquellos días que la figura del minero Tom Jones o la diva Shirley Bassey (luego vendrían los Manic Street Preachers, Super Furry Animals o The Lost Prophets). La verdad es que Cardiff, capital de Gales, no daba mucho de si y tal vez ello explique que YMG fuera una historia estrictamente familiar: Stuart y Philip Moxham eran hermanos y la cantante, Alison Statton novia de Phil (Peter Joyce, que dejó el grupo antes de Colossal Youth).

Esto quizás ayudara a que su ética del Do It Yourself (quizás el mayor legado del punk) fuera de las más extremas. Antes de que apareciera la primera caja de ritmos programable, YMB ya usaban una algo frágil ideada por Joyce. De la misma forma, sus sonidos de órgano y efectos surgían de la esa inspiración casera que a su vez se continuaba en una forma de grabación que hoy quizás llamaríamos lo-fi y que se alejaba años luz de la saturación y el «gran sonido» que iba enseñoreándose incluso de las producciones más independientes.

Enlace: http://www.mediafire.com/?5nhdrmonhtt

Iron Butterfly - Heavy (1968)

"Heavy" abre la meteórica carrera de Iron Butterfly. De manera formal, no puede decirse que sea un álbum complejo, ya que normalmente sus canciones se basan en un par de riffs.

Sin embargo, esto no es óbice para crear pegadizas melodías e instantes extraordinarios, como el estribillo de "Possession", el original comienzo de "Get out of my life, woman" o las curiosas armonías vocales de "So-lo" (las cuales por cierto, evoqué la primera vez que escuché "Coloured Glass" de Wimple Winch") que muestran un idilio pastoral más propio del temas de la lírica renacentista que del heavy-psych de la época.

Finalmente, entra en esena "Iron Butterfly Theme", que puede ser visto como un preludio a la psicodelia oscura con la que sorprendería al panorama musical con su siguiente disco: Aparece de nuevo más tarde ese mismo año, a modo de single, como una post-coital cara B del gran orgasmo que es "In A Gadda da Vida"

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Rome - Flowers from exile (2009)

La cuarta referencia de este proyecto de dark-folk desde Luxemburgo. 'Flowers from exile' contiene una colección de temas intimistas y oscuros creados con guitarras acústicas, una voz aterciopelada y un sonido de fondo que tiene mucho de apocalípticos (ecos sonoros de guerras, marciales, o neoclásicos).

Letras influenciadas por iconos de Jérome Reuter, como son Leonard Cohen, Tom Waits, y Johnny Cash... en un sentido homenaje-recuerdo a los españoles exiliados, y a Europa en general. 

Enlace: http://www.mediafire.com/?h0ekn0yieews0s4

Lightning bolt - Wonderful rainbow (2003)

Lightning bolt se formaron en 1994 en Rhode Island, por el batería y vocalista Brian Cheappendale y el bajista Brian Gibson. En mi opinión, rompen, si no todas las barreras, al menos muchas. Hacen un noise crudo, experimental y que no deja indiferente. Tienen probablemente uno de los directos más brutales de hoy en día, llegando a dar tapones para los oídos al entrar a sus conciertos debido a los volúmenes que se llegan a alcanzar.

'Wonderful rainbow' es su tercer disco, de los cinco que tienen, todos bajo el sello Load Records. Es de los más populares de la banda y, además, una buena muestra para iniciarse tanto en la carrera del grupo como en un estilo dentro del noise que va más allá del noise lo-fi que se acostumbra a escuchar hoy en día.

Enlace: http://www.mediafire.com/?8qmyww2wzmz

Camarón - La Leyenda del Tiempo (1979)

“Eres el triste palacio donde cien príncipes soñaron con la gloria, donde cien reyes soñaron con el amor… y se despertaron llorando.”

Dejen que el olor a salitre y sol le entre por los pulmones y acérquense el plato de pescaíto frito al tablao: hoy nos toca hablar de Camarón de la Isla.

Nace en 1950, y empieza su carrera musical como tantos otros: tiene una muy buena voz desde pequeño, y muchas ganas de cantar. Tras sacar varios discos del corte ortodoxo que reinaba en la época; después de hacerse un gran nombre en el mundo del flamenco, ese flamenco tan gastado, tan pesón y cerrado; Camarón trae un disco con aires nuevos, que viene a hacer un hito en el flamenco: La Leyenda del Tiempo.

La leyenda del Tiempo; editado en 1979, es el décimo trabajo de Camarón, y el primero en el que pierde el sufijo “de la Isla”, el primero en el que sale con barba, el primero que realmente trajo la revolución al flamenco; mezclándolo con jazz, rock e incluso un sitar hindú (en “Nana del caballo grande”). El disco, como era de esperar, no obtuvo una gran acogida: los gitanos viejos se arremolinaban en las tiendas de discos para devolver el LP negando que “ese” fuera Camarón. Ni siquiera las letras de Lorca, tan del gusto de los cantaores de flamenco, lo salvó de la pira.

Sin embargo, y a pesar de la mala aceptación del público general, el trabajo había abierto una ventana, si no una puerta, que dejaba entrar aire fresco al polvoriento flamenco de entonces. Había hecho flamenco a su manera, aportando elementos inexistentes en el estilo de la época. Había hecho historia.

El enlace aquí: http://www.mediafire.com/?36otgvk8nasmcyu

Her Space Holiday - The Past Presents The Future (2005)

Her Space Holiday es el pseudónimo musical que usa Marc Bianchi, uno de los mayores exponentes y a su vez precursor de la indietrónica, género que, como su nombre indica, junta lo mejor de la electrónica y del indie. Cabe destacar de Bianchi que toda su música se puede escuchar gratuitamente en su bandcamp (y también que es tremendamente infravalorado, por desgracia). Es difícil elegir un solo disco de Her Space Holiday representativo, pues toda su producción es excelente. He elegido, quizás con un poco de polémica con la ley del “más antiguo”, el último disco de su etapa más indietrónica (tras el que ha realizado dos discos de temática indie folk/rock), The Past Presents The Future (2005).

Estamos, sin duda alguna, ante uno de los discos más nostálgicos, melancólicos y sentidos dentro de la electrónica, y, probablemente, uno de los mejores (si no el mejor) de indietrónica. Las letras (punto fuerte de Bianchi) son personales, depresivas y cantadas con un toque de pop barroco que hace al disco muy atrayente, y juegan con la autocrítica y con la ironía (“I've figured out the key to short term success, just tell everyone that you're clinically depressed” en missed medicine), a la vez que con universales como la muerte o el amor fraternal, mucho más que en sus otros discos. Los ritmos, los samples, los arreglos orquestales, los teclados, guitarras, la flauta, los ruidos, efectos… Se combinan de manera perfecta, con esas melodías orquestales tan típicas de Her Space Holiday, y con una variedad considerable entre los temas (cierra el disco con un tema puramente folk y minimalista, y hay guiños al techno más desenfadado o al ambient / post rock).

En definitiva, este disco es, sin duda, uno de los discos con más trabajo, con unas melodías más entrañables y con arreglos más complejos de Bianchi. Perfecto para meterte en este mundo que es Her Space Holiday (y en el género, de hecho). Ponte los cascos, déjate sumergir, y citando a Bianchi, “exploraremos los misterios de la vida y por qué duele amar”.

Enlace: http://www.mediafire.com/?bkqnmjrn4tv

Bandcamp del artista: http://herspaceholiday.bandcamp.com/

O.Children - O.Children (2010)

La primera vez que ví y escuché a Tobi O'Kandi me quedé completamente impresionado, y no es para menos. Su voz grave, su pose, y la puesta en escena del grupo dan la impresión de revivir todas sus influencias convertidas en algo completamente nuevo.

A primera vista nos encontramos con el título del clásico de Nick Cave, cuya esencia recupera plenamente esta joven banda de Londres. Inspirados por la escena post-punk más oscura, escuchamos su primer single, ''Dead disco dancer'', que bien podría ser interpretado por Peter Murphy en Bauhaus (The Smiths tiene una canción con un título muy parecido...) y ''ezekiel's son'' por The Sisters of Mercy. En temas como ''radio waves'' escuchamos una versión muy renovada de Joy Division, cuyo final del tema da lugar a la parte más experimental de su estilo, que recuerda a This Heat, otro grupo inspirador para la banda.

Todo este conjunto hace las delicias a la generación más siniestra de la década de los 80, y a la parte más seria y nueva del post-punk revival, siendo este disco un debut de lo más prometedor que se ha visto en los últimos años.

Por curiosidad, el grupo antes se llamaba ''Bono must die'', y por conflictos legales con el cantante de U2 tuvieron que cambiar el nombre de la banda.

Enlace: http://www.mediafire.com/?w1dxznzmxyyohci

Pandit pran nath - Ragas of morning and night (1986)

Antes que nada debo advertir que este disco no es apto, o mejor dicho no es recomendable para occidentales recalcitrantes, quienes seguramente lo encontrarán monótono hasta lo insoportable.

Todo el mundo habla siempre de la influencia de la cultura hindú en generaciones literarias y musicales como la de los poetas Beat o el minimalismo, pero pocos indagan de verdad en esto. Grandes músicos como George harrison, Terry Riley, La Monte Young, los grupos de psicodelia en general, Donovan, Velvet Underground, etc, han bebido ampliamente de estas aguas.

En este disco estamos ante dos ragas, complejas escalas hindúes destinadas a distintos momentos; aquí tenemos uno para la mañana y uno para la noche, aunque seguramente no encontrarán diferencia entre el clima de uno y del otro, ya que no es una música pensada cono algo representativo, como podrían ser Las cuatro estaciones, de Vivaldi.

De Pandit Pran Nath podemos decir que fue un cantante, músico y profesor de música tradicional hindustaní, y para ubicarlo en relación a la música de occidente, creo que es necesario recordar que enseñó la música de la India a muchos músicos norteamericanos, como los minimalistas La Monte Young, Marian Zazeela y Terry Riley, con quienes ha grabado discos, por ejemplo, este disco que aquí tenemos, fue producido por La Monte Young y Marian Zazeela.

Lo aprendido por los músicos ya nombrados, influenció profundamente a las experiencias "drone" de La Monte Young con sus grupos Theater of eternal music, y The dream syndicate, de las cuales participaron a mediados de los años 60's John Cale y Angus McLise, quienes un par de años despues formaron parte de la famosa banda Velvet Underground. Pandit tambien fue profesor de músicos de Jazz.

¡Disfruten de esta esperiencia espiritual!

Enlace: http://www.mediafire.com/?xxiuhqmzwmi

Erkin Koray - Krallar / Dost Aci Soyler (1974)

Como todos sabemos, siempre es mejor hacer dos canciones brillantes que un disco mediocre. Ya dijo Mafalda en una ocasión que si su vida fuera música prefería ser una canción de los Beatles a un long-play de los Boston Pops.

Este es un trabajo de Erkin Koray y su banda. Este casi mitológico rockero turco que lleva rodando desde 1957 (se le considera el pionero en su país) ha pasado por multitud de facetas. Aquí nos ofrece un rock marcado por la post-psicodelia, la primera mitad de los 70.

"Krallar" es un tema con mucha fuerza que se abre al más puro estilo de los Purple y que trata sobre un rey despótico, donde quizá podáis encontrar un toque muy ligeramente Sabbath en los riff y en las voces, claramente influenciado por un latente doom plasmado en el hard rock de la época. La complementa "Dost Aci Soyler", de una línea mucho más luminosa, que ofrece el contrapunto buscado con el tema anterior.

Se trata de un clásico para el rock turco, un estilo propio, denominado Anadolu Rock.

LINK: http://www.mediafire.com/?8sac74mfoadahus

The nightmare of J.B. Stanislas - Nick Garrie (1969)

La historia de este disco, tan desconocido como imprescindible, y de su autor, Nick Garrie, es digna de ser contada. Nick Garrie, con apenas 20 años, viaja a Francia, donde conoce al productor Lucien Morrise, del sello AZ. Éste accede a producir su disco, para el cual cuenta con una banda de 56 músicos.
El resultado se traduce en una obra maestra del pop barroco y de la música en general, pero a las pocas semanas de terminar la grabación, Morrise se suicida, por lo que el disco queda sin promoción y pasa totalmente desapercibido.
No será hasta casi 40 años después cuando, reeditado por Rev-ola Records, este disco es redescubierto y valorado como merece.

Enlace: http://www.mediafire.com/?sgxt13o6flmbuqr

Suicide- First album

Si yo hubiese tenido la extraña oportunidad de ser un adolescente para mediados de los 70´s, y se hubiera dado la justa casualidad de poder estar en New York para esa época, seguramente que me hubiese dado una vuelta por el CBGB, clubcito cuyas siglas se traducían en “Country, Bluegrass & Blues”, y que irónicamente terminaría engendrando un movimiento artístico y cultural cuyos ecos cruzarían el océano, que se le daría de nombre Punk.

Sin duda alguna que hubiese ido más de una vez. Y hubiera gozado con The Ramones, y Talking Heads, Blondie, y B-52´s. Y sin duda alguna con los más subversivos, descastados y extraños de todos: Suicide. O cómo demostrar que un dúo de tecno minimalista era Punk. O cómo el Punk es, invariablemente más una actitud que un género musical.

El primer disco de ésta bonita banda editado en 1977 y llamado simplemente “Suicide” (conocido popularmente como “First Album”) es un ataque frontal de tecno-punk-blues-rockabilly-avant-garde- minimalista. Sus dos únicos miembros, Alan Vega (voz) y Martin Rev (Sintetizadores y demás implementos electrónicos) crearon un híbrido increíble, impensado para la época, y absolutamente solemne. No había facilismos ni clichés (y si los habían, sonaban a propios). Es tal vez, uno de los eslabones perdidos de lo que hoy conocemos como música “moderna”. Reconocida influencia de bandas y músicos tan disímiles como Joy Division Bruce Springsteen, Henry Rollins, New Order, Nick Cave y R.E.M. Es un clásico que muchos desconocen y algunos pocos admiramos con pasión. Verdadera pasión.

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Gentle Giant - Acquiring the Taste (1971) & Octopus (1972) [2 discos]

Nos situamos en la primera mitad años 70, época dorada del rock progresivo, bandas cómo Génesis, Yes y Jethro Tull (por poner unos cuantos ejemplos) ocupaban las listas de éxito e iban siendo reconocidas mundialmente. En ese resurgir musical es dificil alcanzar el éxito si no sigues las corrientes musicales populares, ese es el caso de Gentle Giant.

Esta banda, fundada por los hermanos Ray y Phil Shulman, fue una de esas pocas bandas que apostaban en sus inicios por la creación de un sonido personal y auténtico, considerando la propia innovación musical mucho mas importante que cualquier éxito comercial. Así lo decían los propios miembros de la banda que afirmaban que su motivación era la de "expandir las fronteras de la música popular contemporánea a riesgo de tornarse sumamente impopulares".

Y así fué (al menos en sus inicios). Gentle Giant está considerada una de las bandas mas originales y eclécticas en lo que se refiere al rock progresivo del siglo XX. Su calidad musical es indudable, con multiples recursos musicales, cantos juglares, continua reinvención y experimentación y un repertorio instrumentistico que supera las 3 decenas entre todos sus integrantes.

Una pena que no cosecharan el éxito que merecían sólo por intentar mantener su personalidad, pues años mas tarde intentaron adaptarse al público popular, a partir del surgimiento del punk, para cosechar un poco de mas fama, cosa que provocó que la calidad y personalidad del grupo cayese un poco en picado. Una pena. Quizás deberieron de intentar mantener esa personalidad que les caracterizaba en sus primeras obras, y con suerte, hubieran alcanzado la madurez sufiente como para ser mejor reconocidos. En fin, nunca lo sabremos.

Les dejo a continuación con, posiblemente, sus dos mejores obras: Acquiring the Taste (1971) y Octopus (1972).

El primero fué el segundo album de estudio del grupo, cuando aún su sonido no se habia consolidado del todo.

En contrapartida tenemos a su cuarto album de estudio, donde ya se notaba la madurez alcanzada por el grupo. Notamos una mayor armonía tecnica y ese estilo que caracterizaría a Gentle Giant y que lo harían completamente diferente al resto.

Sin mas dilación, os dejo con ésta pequeña y simpática locura musical.

Acquiring the Taste: http://www.mediafire.com/?yoz8qy0s0nz8ayk
Octopus: http://www.mediafire.com/?28bza92kn5fvd3d

13th Floor Elevators- The Psychedelic Sounds of the 13th Floor Elevators

Los autores del inmortal "You are gonna miss me" incluido en este album, fueron la primera banda de rock en utilizar el término "psicodélico" para describir su sonido.

La banda se desintegró tras publicarse Bull of the Woods, disco en el cual Roky Erickson tan solo canta en tres de las pistas. La ruptura fue debida a que Roky fue condenado por posesión de drogas (marihuana) y para evadir una larga estancia en la cárcel se declaró mentalmente incapacitado y se le recluyó por tres años en el hospital psiquiátrico Rusk State Hospital. La banda siguió grabando Bull of the Woods sin su presencia, como hizo Pink Floyd con la ausencia de Syd Barrett.

Bull of the woods fue el album postumo de la banda, ya que al final fue un proyecto casi en solitario de Stacy el guitarrista y uno de los principales compositores de la banda. Durante el proceso de creación de este album el resto de miembros de la banda acabaron en lugares muy dispares, Tommy hall viviendo en una cueva con traficantes de marihuana, otros en vietnam

Un sonido fresco, rock sesentero, ideal para levantarte por las mañanas con buen pie.

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Curtis Mayfield- Superfly

Abróchense los cinturones, después de un tiempo subiendo cosas experimentales cambio de temática y entro con el Funk.

El legado de composiciones, grabaciones e interpretaciones de Mayfield es enorme. Como voz principal de la formación The Impressions, hizo algunas de las más importantes grabaciones del soul vocal de los 60.

Emprendió su carrera en solitario en la década de los 70, inspirado en el funk y añadiendo rasgos urbanos a la música soul, siendo uno de los máximos exponentes de estilos como el blaxploitation, el Chicago soul, el uptown soul y el soul psicodélico.

Mayfield escribía la mayoría de su material, cuando esto no era habitual entre los cantantes soul. Fue uno de los primeros músicos que se involucró en el movimiento del orgullo de la cultura afroamericana, realizando su mediante sus letras, de la misma forma que lo hacían Aretha Franklin o Nina Simone. Como productor y compositor fue uno de los grandes creadores del Chicago soul, trabajando para y con artistas del género como Gene Chandler, Jerry Butler, Major Lance y Billy Butler.

Como guitarrista, manifiesta ciertas influencias de la música negra más latina, algo que también dejó entrever en ocasiones dentro de The Impressions en los años 60. Durante la década posterior mejoró su trabajo como guitarrista y productor añadiendo ciertas esencias del funk y el rock Chicago.

Curtis Mayfield nunca estuvo dispuesto a sumarse a la corriente pop de acercarse a grandes masas como hacían, en especial, las estrellas de Motown.

En fin, os dejo con este disco, el cual es ideal para escuchar mientras te das un buen baño caliente y te evades de la tensión mundana.

Enlace: http://www.mediafire.com/?54jn3ulgxuk

Música Dispersa - Música Dispersa

Grupo catalán que en 1970 publicó su trabajo homónimo con unas ventas inferiores a 400 copias. Se trata de un trabajo, ante todo experimental, que casi podría meterse dentro de la vanguardia por su uniformidad y iconoclastia, aun teniendo fragmentos de profundas reminiscencias folk.

Estas reminiscencias folk aparecen como algo armonioso y contrarrestan magistralmente las partes más disconantes del avant-garde. Este trabajo es relacionable con el krautrock de por aquel entonces, sin embargo es muy complicado establecer un paralelismo certero entre estos catalanes y un grupo germano de por aquel entonces.

Se trata de un disco legendario para el rock progresivo español de levante y por tanto es normalmente encuadrado dentro de esta categoría. Como curiosidad, aquí debutaría el cantautor Jaume Sisa.

LINK: http://www.mediafire.com/?v6vi6w4xia6efk4

Throbbing Gristle- 2 Discos

Throbbing Gristle es probablemente el grupo más trangresor que conozco. Desde que abrí el blog he cometido un gran error de subir discos de grupos industriales como Test Dept o Esplendor Geométrico sin pararme antes a hablar de esta banda.

Una importante influencia de esta banda es John Cage, que como dije anteriormente probablemente es el padre del Noise. A parte están todas las bandas que nombro siempre que hablo de Avant-garde, como Velvet Underground, Captain Beefheart, John Zorn, Joy Division, John Coltrane, la escena Krautrock... Volviendo al tema, tomando las ideas de Cage desarrollaron toda una obra basada en el ruido y el perfomance. Para entender el porqué de esto hay que meterse un poco en la época, hablamos de tiempos en los que las industrias en europa no te dejaban tiempo para vivir y lo poco que vivías era con ruidos de maquinarias metálicas para producir. Ya no había campesinos, si no manos de obras baratas.

Throbbing Gristle en su música intentó plasmar eso, quizás así en parte se entiende el porqué del termino industrial. ¿Y como hacerlo? estaba claro que usando intrumentos convencionales no iban a cambiar nada en la música, pues todo estaba casi inventando. Tomaron los avances en la electrónica de Alemania de los grupos de Krautrock y a partir de ello construyeron música basada en ruidos cotidianos. No les importaban la armonía, la estética, la belleza, sonoridad... Les importaban simplemente mostrar la agonía humana, sus lados oscuros y obsesivos... Y si para ello debían usar ruidos chirriantes para los oídos pues bien.

Claro ejemplo de que su intencion era explorar la oscuridad humana son sus presentaciones en vivo, altamente confrontacionales, solían usar imágenes perturbadoras (incluyendo pornografía) y fotos de campos de concentraciones nazis, dándole al grupo una reputación "notable".

A parte de esto, fundaron el sello industrial record, en el cual se encuentran obras imprescindibles de muchos grupos de este genero y fueron pioneros en el uso de samples pre-grabados y uso de efectos especiales para producir un trasfondo distintivo y altamente distorsionado, usualmente acompañado por letras cantadas o habladas por Genesis P-Orridge.

Os aviso, no esperéis canciones que cantar, melodía alguna o ni siquiera música... Si no los conoces son algo totalmente diferente a lo que has escuchado jamás. Si tras mis avisos os atrevéis aún así con Throbbing Gristle hacerlo con tiempo y no interrumpáis el disco, perderéis el hilo.

En fin amigos os dejo con dos discos, el primero de ellos más "accesible" y el segundo más trangresor en forma, yo recomiendo el segundo, pero cada cual lo suyo...

20 Jazz Funk Greats :http://www.mediafire.com/?nzoqz20tm00

Journey Through A Body:http://www.mediafire.com/?edhjjgddrdj

Como complemento a este artículo podéis leer esta página para informaros más de la música industrial. http://elsitiodeltopo.com.ar/musicaindustrial.htm

Henry Cow- Leg end

Empezaré este año con un descubrimiento reciente de un movimiento musical derivado del progresivo. Es el denominado "Rock in opposition (RIO)" , fue iniciado por Henry Cow en Europa, al cual las industrias discográficas se negaban a reconocer su inusual música. Henry Cow tempranamente se dedicó a recorrer Europa, donde encontró muchos grupos innovadores totalmente desconocidos y rechazados por sus paises. Con el dinero que recibió de una beca montó con cinco grupos un festival en Londres llamado "Rock in opposition" , con el lema "lo que las compañías discográficas no quieren oir", este evento tuvo lugar en 1978. Este festival tuvo una acogida por la prensa mundial mayor de lo esperada, lo que provocó que se creara todo un colectivo musical.

En cuestión estilística es difícil dar unas características comunes para todos los grupos del movimiento, son grupos influenciados fuertemente por el avant garde (por ejemplo Velvet Underground), el Free Jazz, blues y el progresivo sobre todo. Las primeras prensentaciones de Henry Cow sirvieron incluso de soporte a Pink Floyd que venía contruyendo su "bluespsicodelia".

Otro grupo que recomiendo de esta corriente es "Univers Zero"... En fin dejo de daros la lata y os pongo el enlace abajo

Enlace: http://www.mediafire.com/?nodqknkzyqq