Gorillaz - Gorillaz

Aprovechando que hoy ha salido a la luz un nuevo videoclip de Gorillaz me estreno en el blog recomendado el primer disco de la banda que vio la luz en 2001.

La aportación de este disco al blog le va genial ya que Gorillaz nació de la de idea de Damon Albarn (cantante de Blur) y Jamie Hewlett (dibujante de Tank Girl) de burlarse de toda la basura de la cadena MTV. Gorillaz es una banda nacida en UK y formada por 4 dibujos animados 2D, Murdoc, Noodle y Russel y nos ofrece una mezcla de sonidos muy interesantes: Rock alternativo, electronica y rap. Empezó a formarse en 1998 pero no vio su primer disco hasta 2001. Con cuatros álbumes de estudio, compilaciones y demás se ha comentado muchas veces el fin de la banda pero con videos como el de hoy, que forma parte de la publicidad de Converse para anunciar sus nuevas zapatillas, parece que ese fin no llegará nunca. Mientras que sus discos continúen teniendo la calidad de siempre esperemos que tarde en llegar ese final, ¿no?

Aquí os dejo con el enlace para descargar su primer disco:
Gorillaz - Gorillaz (Mediafire)

Have a Nice Life - Deathconsciousness

Llegó la hora ni más ni menos que de estrenarme, pero antes que nada, dar las gracias a Ruso por hacerme un hueco y decir que estoy encantadísima de pertenecer al blog.

A juego con el momento, os traigo un disco que para mi es perfecto, hay miles de discos que son brutales, pero este tiene un cierto significado para mi, y recuerdo que la primera vez que lo escuché, por allí el 2008, me dejó boquiabierta y hasta entonces no he podido describir nada de lo que me sigue produciendo al escucharlo, solo sé que me enamoré de él a la primera escucha. Una lástima que no hayan seguido haciendo mucho más juntos, aunque si no me equivoco, tienen pendiente sacar algo nuevo.

Solo con la portada, La muerte de Marat, ya nos dice mucho, un disco repleto de alegorías a la muerte, ellos son Have a Nice Life con su Deathconsciousness, un grupo de dos chicos, Tim Macugauno y Dan Barrett (ahora en solitario como Giles Corey, algún día subiré algo de él también porque este hombre es un genio) con influencias shoegaze, post-punk, industrial llegando incluso al drone, donde lo que parece una mezcla de géneros imposibles de unir, ellos en 79:40 minutos lo convierten en obras maestras, con una sonoridad increíble que podemos apreciar en cada una de sus piezas llenas de melancolía y desesperación, ritmos lentos, pausados y alguno que otro destructor.

Podría seguir escribiendo muchísimas más cosas de ellos, que en algunas ocasiones me recuerdan a Joy Division, a los 80, a las guitarras de Fugazi o los grandes Ride, pero no quiero extenderme más, os invito a que los escuchéis y lo descubráis por vosotros mismos, porque no es para arrepentirse.

Enlace: CD1 CD2

Daft Punk- Alive 2007

“Touch it, bring it, Pay it, watch it,
Turn it, leave it, start - format it.”

Cuando me hablan de House me entra la risa. Y es que el techno comercial que está tan de moda últimamente no tiene apenas que ver con estos dos monstruos del Synth Pop, los quasi padres del house que se escucha de hoy en día, que viene a ser una caricatura de Daft Punk.

Daft Punk es sencillo (que no simple) de escuchar; sólo hay que tomarse su tiempo, relajarse, dejar que las voces ultrafiltradas te hablen, escuchar a las máquinas, entrar en simbiosis con sus incesantes ruiditos electrónicos; sentir el bombo golpeando rítmicamente en los tímpanos, dejarse mecer por las guitarras distorsionadas y los sintetizadores en una balsa de arcos galvánicos y pequeñas descargas eléctricas que te hacen cosquillas en la nuca.

Es entonces cuando llega el escalofrío, y dejas estar un rato la sensación antes de volver a la realidad.

Formado por los franceses Guy Manuel de Homem-Christo y Thomas Bangalter, Daft Punk lanza Homework, su primer álbum, en 1997, seguido de Discovery en 2001, Human after All en 2005, y el disco que hoy nos ocupa: el increíble Alive 2007, para conmemorar la gira 2006-07. También han hecho la banda sonora para la película Tron: Legacy, sacando en 2010 el disco con la banda sonora.

Con un cuidado apartado visual, en el que destacan sus trajes y cascos de robot y una ingente cantidad de efectos visuales, un directo de Daft Punk es una experiencia perfectamente medida y encajada: la música pide esa estética tan concreta, y viceversa.

Electrizante, el enlace aquí: http://www.mediafire.com/?6kq020vj1c65a3s

Oval- 94 Diskont

Decir que la música electrónica alemana siempre se ha ubicado a la vanguardia internacional no es algo novedoso, pero resaltar la ductilidad y originalidad de sus ideas deviene, por lo menos, una cita obligada. En la primera instancia, Kraftwerk no sólo entregó al techno una forma, sino que resolvió el problema de su cotidianeidad (Autobahn, “Ohm, Sweet Ohm”, Trans-Europe Express). Después, mientras algunos grupos ingleses planificaban un discurso artie de la alienación (Throbbing Gristle, Cabaret Voltaire) y otros se centraban en el proceso de consumo (Soft Cell, Human League), la propuesta de los grupos alemanes resultó ser de un carácter mucho más desenfadado, resuelto a experimentar con cualquier clase de material (para comprobarlo, basta con escuchar el humor irreverente del primer Der Plan, o al granadino Gaby Delgado -DAF- cantando en castellano “Y la gracia” encima de lacerantes ritmos programados).

Se me ocurre que la aparición del grupo alemán Oval puede provocar un grado similar de comparaciones en el contexto musical contemporáneo. En momentos en que la tecnología se ha incorporado como un aspecto esencial de la vida cotidiana, daría la impresión de que binomios ingleses como Black Dog , Autechre y FSOL componen música con el mismo placer con que se sientan a encender su MODEM o COREL DRAW; para ellos, la electrónica forma parte constitutiva de un todo absorbente donde -acorde a Hebert Marcuse en su One-Dimensional Man- se funden indistintamente el arte, el trabajo y el placer. La música de Oval, en cambio, permite disfrutar del déficit de esa integración; superando la íntima relación proteica entre monitor y apéndice nasal, se convierten en el primer grupo auto-conciente de la era digital.

“La música es un buen medio para transportar nuestras ideas. Nos gusta tener nuestro material para poder penetrar dentro de un discurso digital en el que podamos intercambiar opiniones y puntos de vista.”

Enlace: http://www.mediafire.com/?mgftttm00zo

Gong - Radio Gnome Invisible Trilogy [3 álbumes] (1973-1974)

Estaba yo debatiéndome en elegir un disco de Gong que subir. Así que me dije.. ¿Qué demonios? Voy a subir la trilogía completa de Radio Gnome Invisible, que tengo mucho tiempo libre.

Gong es una banda de rock progresivo y psicodélico (también catalogada dentro del escenario Cantebury y algunas veces como space rock). Pero mejor quitemos todas estas clasificaciones absurdas. Porque en realidad, no sirven para nada, puesto que Gong es una de esas bandas basadas en la experimentación y creacion de ese tipo de sonidos que se disfrutan mucho mejor estando (recostados, si se puede) ensimismados con el vacio de nosotros mismos.

Todo se remonta a cuando, a principios de los 70, el por aquel entonces miembro de Soft Machine, Daevid Allen se viera obligado a quedarse en francia debido a problemas legales cuando intentaba viajar a Reino Unido. Allí formó y lideró un grupo de musicos afines, conformando lo que vendría a ser una comuna hippie, repleta de excesos de improvisaciones, fantasías, colocones y muchos gorritos estrambóticos.

Las tres obras que nos ocupan sirvieron de base para la denominada Gong Mythology, y hablan de la historia de Zero, y la de un planeta habitada por gnomos y representante de los ideales de la banda, llamado Gong. Podría relataros la historia, pero os lo dejo a vuestro mayor o menor interés (que malvado soy).

Tras la publicación de estas genialidades, Allen se negó a salir a los escenarios durante 1975, puesto que era capaz de sentir un "campo de fuerza" que le estaba avisando de algo. Por estas razones se vió obligado a dejar la banda, lo que supuso el principio de un interminable devenir de cambios que los haría disgregarse en pequeños subgrupos, cambiando constantemente de personal. Allen siguió con su mitología por separado (como Planet Gong), luego se volvieron a unir los subgrupos, y muchos cambios más, que unido a los cambios constantes del nombre de la banda, hace casi imposible no padecer de dolor de cabeza si uno intenta seguirles la pista.

Nos encontramos ante discos muy conceptuales, y un tanto diferentes entre sí también. Están repletos de letras absurdas al mas puro estilo Zappero, influencias del jazz, psicodelia, atmósferas espaciales, subrealismo, lámparas de lava, y muchas, muchas setas (en las letras no paran de hablar de té, pero a mi no me la cuelan xD)

Los tres son grandes trabajos, aunque yo no dejo de debatirme entre "You" y "Angel´s Egg". En fin, como se suele decir, juzgad por vosotros mismos.

The Flying Teapot: Radio Gnome Invisible I (1973): http://www.mediafire.com/?qe0ezy2uw5mgq2e
Angel´s Egg: Radio Gnome Invisible II (1973): http://www.mediafire.com/?c05u83l440j1p64
You: Radio Gnome Invisible III (1974) : http://www.mediafire.com/?gz3tndlwrprwwvr

Ya que Sefir ha cogido la costumbre de poner ejemplos de canciones vía youtube, yo os dejo con uno de mis temas favoritos de la banda, del album You: Master Builder.

Animals as leaders - Animals as leaders (2009)

Hoy es mi cumpleaños, así que para celebrarlo, os traigo uno de los mejores grupos que he escuchado en este último año.

Animals as leaders - On impulse

Anteriormente se ha hablado de un nuevo movimiento llamado Djent, basado en riffs asimétricos con guitarras de 7 u 8 cuerdas, con diversas influencias o variedades, como el jazz o el math.

Este grupo está basado en un artista del mundo del Djent, Tosin Abasi, guitarrista de 8 cuerdas. Escribió y grabó casi todo el album, y mas tarde entraron Javier Reyes como 2ª guitarra (8 cuerdas tambien) y el baterista Navene Koperweis, dejando el bajo solo para estudio.

El album refleja el virtuosismo de Tosin a la guitarra, dejándonos tanto pasajes limpios como riffs metálicos y lineas melódicas basadas en las técnicas de "tapping" o "sweep picking" entre otras.

Si os gusta la guitarra eléctrica este disco no os dejará indiferentes.


Animals as leaders - Animals as leaders (2009)

Godflesh- Us and them (1999)

Siempre hablamos de postpunk, postrock, posthardcore, post(xx). Pero olvidamos a menudo el postmetal. Este es un genero relativamente nuevo. Una definición según la wikipedia sería:

"La manera más simple de definir el post-metal es como una fusión entre el heavy metal y el post-rock, uniendo las voces guturales y las guitarras distorsionadas del heavy metal y del post-hardcore, con la instrumentación básica y limpia del post-rock. Las canciones suelen fluir en tempos medios y lentos, enfocándose más en los cambios de acorde que en el virtuosismo y los riffs de guitarra, evitando normalmente los solos."

Podríamos citar bandas más conocidas como Isis o Pelican, pero lo cierto es que esta es la precursora de toda la movida. En realidad Godflesh es una banda de metal industrial. Es conocida por su mezcla única de ritmos de tambor de la máquina industrial con zumbido, guitarra discordante y graves potentes, intermitente.

Como parte de su proceso de experimentación presentaban voces a menudo con sonidos guturales, haciendo uso de algo parecido a la técnica de gruñido, sin embargo, a veces también muestran un lado más suave y melódico . La monótona voz de Broadrick entonando desesperados himnos nihilistas acompañada de los claustrofobicos paisajes sonoros de la guitarra y el bajo atrincherados por los pesados muros de una batería repetitiva son la formula perfecta que los hace reconocibles para muchas otras bandas que los mencionan como influencia.

Todo aquel que vaya al Primavera Sound debería pasarse a verlos.

Enlace: http://www.mediafire.com/?ymg3nnzcyng

Por cierto, encontré esta página, aquí está el resto de su discografía, por si os interesa la banda:

http://cultofruins.blogspot.com/2010/04/godflesh-discography.html

Nico - Chelsea Girl

Que Nico era algo más que una cara bonita es algo que más o menos todo el mundo tiene claro ya. Aún así, siempre hay algún rezagado que puede pensar que Nico fue 'impuesta' a la Velvet por Andy Warhol, pero éste no era tonto y sabía que la chica valía. Creo que es posible afirmar que el debut de la Velvet también hubiera sido igualmente grandioso sin Nico, pero, para mí, 'The Velvet Underground & Nico' es un esfuerzo común, el esfuerzo de una agrupación de genios musicales como probablemente jamás se haya visto otra, producidos y dirigidos por una de las personalidades más relevantes de nuestro siglo, Andy Warhol.

Pues bien, 'Chelsea girl' es el debut en solitario de Nico. El título viene de la película de Warhol 'Chelsea girls', que ella misma había protagonizado. El disco está producido por John Cale, que fue su compañero tanto dentro como fuera de la Velvet. Cabe destacar la lírica del álbum, cuyas letras están compuestas por la propia Nico, además de Lou Reed, John Cale y el mismísimo Bob Dylan. Todo esto unido a la personalísima voz de la alemana, con ese halo casi lúgubre, convierten a éste en un disco imprescindible de la historia de la música.

Enlace: http://www.mediafire.com/?fbm41dnb3f53h2n

Yezda Urfa - Boris EP (1975 - Reedición CD 2004)

Hoy os traigo otra "rareza". Durante la primera década de los 70 el rock sinfónico progresivo se encontraba en su época dorada, cientos de grupos recogían el éxito cosechado a finales de la década anterior y se sumaban al carro de un género que cada vez iba cogiendo mas fuerza. La mayoría de estas bandas provenían de las islas británicas, por lo que no es de extrañar que muchos grupos de otros paises perecieran en el intento de salir adelante en este género al que todo el mundo parecía querer apuntarse. Éste es el caso de Yezda Urfa, grupo estadounidense surgido allá por 1973. En su corta carrera publicaron un EP en 1975 titulado Boris para luego publicar su único largo (Sacred Baboon) al año siguiente. Sin embargo su escaso éxito los obligaría a disolverse en 1981. La alineación de la banda era la siguiente:

-Brad Christoff: batería, percusión
-Phil Kimbrough: teclados, mandolina, instrumentos de viento, voz
-Marc Miller: bajo, violonchelo, marimba, xilófono, voz
-Mark Tippins: guitarra, voz
-Rick Rodenbauh: voz

Lo curioso de este caso fué la suerte de la aparición de un chico llamado Peter Stoller, que tras descubrir de casualidad su demo Boris, quedase entusiasmado con ella y la llevase al director de la discográfica Syn-Phonic Records, Greg Walter. E hizo bien, pues éste no tardaría en reeditar Sacred Baboon para 1989. Y la banda pudo renacer, y publicar en 2004 esta demo como CD en la que se incluía una pista extra. Incluso han llegado a grabar un live que publicaron allá por 2010... Ains, pero que bonito todo.

Para haceros a una idea sobre cómo suena ésto, podría describir Yezda Urfa como una mezcla armoniosa entre Yes y Gentle Giant, con toques muy experimentales, en los que encontramos incluso elementos de musica country, blues y jazz. Todo muy setentero, ecléptico y alocado. Sin duda alguna un gran trabajo.

Enlace: http://www.mediafire.com/?zzqbjzkflpoyy6f

La Dispute - Somewhere at the Bottom of the River Between Vega and Altair (2008)

Música de sentimientos, música intelectual, música conceptual… La Dispute hacen una música donde, según ellos mismos, lo importante es el sentimiento, la poesía y el arte puro, con una filosofía tan poco propia en los ambientes hardcore. Y es que estos chicos juntan lo mejor del post hardcore, el post rock, el screamo, el neo folk / spoken word y el metalcore, y hacen una mezcla que se te cala en los huesos, con unas letras poéticas y doloridas, existencialistas, filosóficas, con universales como el desamor o la muerte.

Es difícil hacer una descripción de un disco tan eclético, variado e innovador como es éste, pero sólo sé deciros que es algo para escuchar a lo grande. Como “The Wall” de Pink Floyd o “The Fragile” de Nine Inch Nails, es un disco para escuchar de tirón, de principio a final, no le sobra una sola canción y es arte en estado puro (ya se ve en la portada, por cierto). Piezas como “Andria” o “The Last Lost Continent” son, sin duda, lo mejor del disco, y son una explosión de energía y sentimientos sin precedentes. Además, personalmente, creo que es el mejor disco y el mejor grupo para entrar en el mundo del screamo / screamo post rock, y me parece el mejor disco que he escuchado fuertemente inspirado por el hardcore más duro. Así que, abrochaos los cinturones, que esto es La Dispute.

Enlace: http://www.mediafire.com/?mgiom5m3azz

Killing joke- Killing joke (1980)

Definir treinta años de discografía es poco menos que una temeridad, pero no creo que este sea el caso. A pesar de que debido a las desapariciones de Jaz entre 1990 y 2006 editaron sólo cinco discos, hay mucha tela que cortar con esta gente, entre directos y re-ediciones ampliadas de sus viejos trabajos, pero la gracia de esta entrada es que en lo personal, para mi hay cuatro momentos clave en su discografía para entender su importancia dentro de la música. Ya sólo por el debut se les va a recordar como los que dieron los primeros pasos para lo que luego sería el rock industrial y se adelantaron unos cuantos años a muchos sonidos que luego serían del rock alternativo y el hardcore. Pero además luego supieron mutar a tramas más “comerciales” para algunos, un poco al estilo David Bowie, pero sin perder su magia… aunque su momento más bajo se vivió precisamente en esa época. Luego, cuando muchos en ese momento decidirían volver la vista atrás para reconciliarse con la gente, es cuando se ha visto que Killing Joke van a su aire, metalizando su sonido y posteriormente emparentándolo con el hardcore metal e incluso el post hardcore (etiquetas empalagosas, por otra parte), pero siendo capaces de mantener sus señas de identidad bien vivas, ese nervio punk imbatible e imperturbable por encima de todo. Pocos grupos hoy en día pueden decir que tienen este bagaje y esta capacidad de supervivencia, pero es que además en vivo siguen siendo una apisonadora a pesar de rondar ya la cincuentena, con un repertorio que tira de espaldas y una energía desbordante.

Helmet y Metallica versionaron temas de este disco y grupos como Ministry, Nine Inch Nails, Godflesh o Big Black podrían hablar sobre la influencia ejercida en su música por el debut de los ingleses, uno de los discos clásicos de la época pero también una pieza clave para entender en lo que luego devendría el rock industrial y sus derivados. Es difícil escucharlo y no notar como el sonido del grupo, por aquel entonces, se movía en unas coordenadas que tenían de punto de partida el post punk, al que luego añadirían sus propias ideas con unos inspiradísimos riffs de guitarra que poco tendrían que envidiar al de muchos grupos hardcore, e incluso rock alternativo, que vendrían bastantes años después. Por no hablar de lo bailable de su sonido gracias sobre todo a los devaneos tribales y funk de la base rítmica, los brillantes sintetizadores, los hipnóticos y oscuros ritmos de Requiem, The Wait, Wardance, los berreos de Coleman, las atmósferas cuasi industriales… una monolítica pieza de pies a cabeza que con el paso de los años no ha perdido un ápice de intensidad y fuerza, regurgitando un género tan novedoso como cerca de la muerte y la resurrección, y recubriéndolo de multitud de simbióticos matices.

Enlace: http://www.mediafire.com/?ywwrzydznki

Stereolab - Transient Random-noise bursts with announcements

Hoy os traigo un disco que, para mí, es esencial, de una banda igualmente esencial. Se trata de 'Transient random-noise bursts with announcements', de Stereolab.

Stereolab se forma a principios de los 90 en Londres. Sus dos miembros son Tim Gane, guitarra y teclados, y Laetitia Sadier, voces, teclados, trombón y guitarra. En mi opinión, Sadier es una de las voces femeninas imprescindibles de los 90, junto con Hope Sandoval o la mismísima PJ Harvey.


Stereolab hacen una música experimental, con múltiples influencias que van de la Velvet al krautrock, todo en una base que mezcla shoegaze, noise y, quizás, hasta slowcore, ayudándose para ello de teclados analógicos, sintetizadores Moog y órganos eléctricos, entre otros instrumentos. El resultado es un sonido único, el sonido Stereolab. Creo que en este trabajo, toda esa mezcla explosiva halla su mayor expresión. Disfrutadlo.


Enlace: http://www.mediafire.com/?j0dncndykdn

Death in june- Nada!

Retrocedemos hasta 1985, año que vio el nacimiento de NADA! . Death in June nace en el Año 1981 de las cenizas del proyecto de punk troskista Crisis.. El sonido original de la banda puede considerarse como un PostPunk de tintes góticos similar al adoptado por formaciones con mas difusión actual como Joy Division pero aumentando la participación de elementos de la Industrial Culture y de la escena tanto electrónica como acústica.

La polémica siempre ha ido acompañando a la imaginería empleada por Death in June ya que se les ha vinculado con vertientes de extrema derecha y diferentes cultos religiosos. La utilización de la calaveras, su afición a las runas nórdicas, su fetichismo militar y la utilización metafórica de ciertos términos históricos han contribuido decisivamente a dar a Death in June la fama grupo extremo.No se puede negar que la simbología empleada e incluso algunas de las letras hacen referencias directas innegables a ese mundo. El tema C'Est un reve es un ejemplo.Éste tema fue creado durante la gira de D.I.J en Francia para combatir la etiqueta de fascistas que los persiguió ya que todo el mundo pensaba que uno de los motivos de la gira era la visita a la prisión de Klaus Barbie, "el carnicero de Lyon", oficial de las S.S responsable de más de 4432 asesinatos. Douglas P en forma de burla creó un tema de connotaciones terroristas empleando bases industriales y en un fondo de tape loops de ultratumba creado por Richard Butler, sobre el que recitaba en frances "O es Klaus Barbie... está en el corazón, está en el corazón negro…. Es un sueño!”..

Tras años sin querer abordar esta cuestión, a principios del año 2006 Douglas P. hizo públicas dos declaraciones de prensa en las que negaba por completo su afiliación y/o vinculación política o emocional a cualquier ideología fascista o racista exponiendo además que, siendo homosexual declarado como lo era, hubiese sido un candidato óptimo a los campos de concentración en la Alemania nazi. Las composiciones de Death in June intentan llamar la atención sobre la brutalidad de los regímenes coercitivos suponiendo una extensión artística a las inclinaciones políticas exhibidas en los días de la formación Crisis donde militaban en una formación de talante abiertamente marxista.

Enlace: http://www.mediafire.com/?24uz07yivx3fls9

Iannis Xenakis - Metastasis Pithoprakta Eonta / Music for Strings

"Iannis Xenakis (Γιάννης Ξενάκης, también transliterado en francés como Yannis Xénakis), fue un compositor y arquitecto de ascendencia griega nacido el 29 de mayo de 1922 en Brăila, Rumania; se nacionalizó francés y pasó gran parte de su vida en París, donde murió el 4 de febrero de 2001. Es aclamado como uno de los compositores más importantes de la música contemporánea.

Ya en Metastasis, Xenakis muestra un alejamiento radical de las tendencias preponderantes en la vanguardia de la época, dominada por el serialismo (como su nombre lo indica, es una técnica de composición basada en series) y el post-serialismo. La obra plantea densos bloques sonoros, con los instrumentos de cuerda haciendo glissandos de diferentes velocidades, configuran masas y superficies de variadas texturas. Pero además de su radical estética «brutalista», esta obra resultó revolucionaria por su modalidad compositiva, en la que las densidades, las texturas, y los comportamientos individuales de los eventos estaban determinadas por procesos formales basados en leyes estadísticas y probabilísticas. De esta manera Xenakis se muestra igualmente distante del pensamiento de ordenamiento lineal de los serialistas y pos-serialistas, como de la indeterminación aleatoria que había iniciado John Cage, y que estaba comenzando a tener sus repercusiones entre los compositores europeos."

Ante todo, os ruego que me disculpéis por haber adjuntado una descripción precocinada, aun a modo de introducción, para tan hermética obra. Quizá porque sólo puedo decir que con Xenakis pueden llegar a oírse notas que ni siquiera existen, verse colores nunca antes concebidos y sentir una tensión que ninguna banda sonora ha sido capaz de igualar hasta el momento. Una música más centrada en estructuras y expresiones matemáticas que en cualquier otra cosa.

¿Recordáis esa escena de King Kong cuando el mono gigante les arroja por aquella garganta a un foso plagado de insectos gigantes que los van devorando poco a poco? Pues viene siendo algo parecido. Aún así, puede llegar a ser una música más que inescrutable, tremendamente disfrutable también, en contra de lo que la mayoría de la gente creería...

Como de costumbre, espero que lo disfruten.

LINK (2 CD)

Sun O))- Black One (2005)

La música metal tiene infinidad de variantes, como bien sabréis. Una de ellas es el Doom Metal, la cual quizás es de las menos conocidas y más infravaloradas. Forma parte de la rama metal extremo en la cual andan también el Death metal y Black metal.

El sonido Doom es un sonido extremadamente lento y pesado, con guitarras zumbantes, frecuentemente afinadas en tonos bajos, acompañadas de feedback y otros efectos. La percusión es lenta y a veces incluso se desecha. Las bandas más tradicionales generalmente usan un sólo guitarrista, que hace las labores de líder y ritmo al mismo tiempo. Las voces son variantes, pero por lo general elevan la desesperación y el dolor. Otra característica que podríamos citar es la experimentación, el doom continuamente se vale de otra música como puede ser el Jazz o blues, es decir el doom es la rama más vanguardista dentro del metal.

Bueno entrando ya en la banda, sun O)) es una banda de Doom, perteneciente a la vez a la subrama Drone. Pronunciado simplemente sunn, por la marca de amplificadores Sunn, cuyo logotipo se asemeja a o))). La banda está formada por Stephen O’Malley (Khanate, Burning Witch) y Greg Anderson (Goatsnake). Originalmente el grupo se formó como banda tributo a Earth, esta es la formación en funcionamiento desde finales de los ’90s.

Como banda, se caracteríza en especial por vestir atuendos de capuchas en sus actuaciones en vivo o en fotos promocionales. Al mismo tiempo ellos crearon su propio sello de nombre Southern Lord Records.

Enlace: http://www.mediafire.com/?ajnjmmjm2tm

The Flaming Lips - Zaaireka

Podéis pensar que son unos fantoches, pero The Flaming Lips, pero esta grotesca banda oklahomiense no se basa sólo en conciertos excéntricos, títeres, trajes y globos enormes.

Son ampliamente conocidos por sus arreglos exuberantes y psicodélicos, sus letras surrealistas y los extraños títulos de sus canciones, algunas de las cuales sólo pueden ser definidas como "collage de sonidos".

La banda, con motivo de la creación de este álbum, lanzado en 1997, llevó a cabo una serie de “experimentos en estacionamientos” y “experimentos de boombox”, basados en una vivencia adolescente del cantante, Wayne, cuando se dio cuenta de que en dos estaciones de radio estaban poniendo la misma canción al mismo tiempo. Durante los “experimentos en estacionamientos”, se les entregaba a cuarenta voluntarios cassetes creados por la banda para ser reproducidos simultáneamente en los reproductores de música de sus autos. En los “experimentos de boombox” una “orquesta” de cuarenta voluntarios con reproductores boombox modificados era dirigida por Wayne Coyne con el fin de variar el volumen, velocidad o tono de la cinta que estaban reproduciendo.

Es tremendamente experimental, en parte porque consiste en una selección de cuatro discos, todos ellos con las mismas canciones, que pueden de ser escuchados al mismo tiempo, componiendo un sonido completamente armónico y yuxtapuesto. No podría recomendar una canción concreta simplemente por el hecho de que los cuatro discos han de ser escuchados íntegros. Altamente recomendable.

No olvidéis que grabaron un tema, SpongeBob and Patrick Confront the Physic Wall Energy para la película The SpongeBob SquarePants Movie. Yo lo tendría en cuenta.

Enlace: http://www.mediafire.com/?5nzhzjnjvox

This Town Needs Guns - Animals (2008)

Esta es mi primera aportación a este blog, y lo hago con un disco algo "especial".
Especial porque lo descubrí hace unos meses y me encantó. Tiene algo especial que me hace vibrar.

This Town Need Guns - Baboon

This town needs guns es un grupo formado en las inglesas tierras de Oxford. Con 2 EPs a la espalda, lanzaron su primer LP a finales de 2008, y el resultado no podría ser mejor. Se podría decir que su estilo es una especie de math rock indie extraño, con guitarras bastante limpias y ritmos asimétricos. Como describe el periódico The Sydney Morning Herald: la banda tiene un trabajo de guitarra pop, con un toque de jazz e influencias españolas.

Sin mas, os dejo con el álbum. Disfrutadlo.

This Town Needs Guns - Animals (2008): http://www.mediafire.com/?26pln6427sljxwt

Arab Strap- Elephant Shoe(1999) y Philophobia (1998)

En estos últimos 20 años la escena musical en Escocia e Irlanda se ha revolucionado totalmente. Han surgido muchos grupos a raíz de la mano de Andy Miller con sus dos discográficas "Chemikal Underground" y "Gargleblast record". Podríamos citar bandas tan influyentes como Mogwai, Scout Niblett, Songs: Ohia, Life without buildings, De Rosa, o esta misma. Fuera del mundillo de Andy Miller también tenemos a bandas como My Bloody Valentine o Jesus and Mary Chain. Estos países son precursores del Post rock, aunque no los únicos culpables de él. No entraré en el debate de que está mal usar la palabra "post rock", si no me alargaría mucho....

En cuanto a la música de Arab Strap son de esos grupos que se merecen que revises las letras de sus canciones. Hablan de la rutina diaria , lo cotidiano en general, que nos envuelve y axfisia. Son bastantes ambientales, quizás tampoco se arriesgan demasiado y no hacen el ruido de algunos de sus paisanos. Se apoyan en la electrónica. La voz del cantante suena como la de un alcohólico. Y bueno, solo son para personas con un sentido bastante cínico de la vida.

(No he encontrado los enlaces formato mediafire, pero funcionan, me deberíais aplaudir, me he tirado media hora buscándolos)

Elephant Shoe: Aquí

Philophobia: Aquí

Especial Flamenco- La Paquera de Jerez, Manolo Caracol, El Lebrijano

Quería empezar mi regreso al blog con algo poco habitual en mi estilo. Y por ello decidí optar por el flamenco. No están todos los grandes, de echo no pude encontrar cosas del Terremoto de Jerez, mi favorito. Por lo general este humilde servidor escucha flamenco Jerezano y Sevillano. Soy poco entendido de la materia y sería arrogante por mi parte intentar informaros de él.

El flamenco es un arte que por lo general menospreciado. Sobre todo gracias al "flamenquillo" como puede ser el Barrio o las sevillanas. En la juventud está muy extedido el dicho ese "escucho de todo menos flamenco y reggaeton". Y se quedan tan panchos en su ignorancia .

Es más voy a ser osado y voy a decir que es el flamenco es el mejor producto nacional. Toda una cultura, con muchos tipos de palos (estilos), al gusto de cada uno. Hay muchas formas de hacer dentro de él y totalmente opuestas. Pasa algo parecido como con el rock, rock puede ser una canción de Bon Jovi o una de Buddy Holly, imaginen. En fin hoy no aporto mucha más información útil, bastante tenéis con estos discos. Espero que gracias a ellos descubráis muchos músicos más y que los disfrutéis.

La Paquera de Jerez: Aquí
El lebrijano-Persecución: Aquí
Manolo Caracol- Juerga gitana: Aquí

Spiritualized - Ladies And Gentlemen We Are Floating In Space (1997)

No estamos hablando de un disco cualquiera, no señor. Es EL disco de los 90. El máximo exponente apoteósico de ese space rock combinado con góspel y con bastante shoegaze que ya venían haciendo Spacemen 3 (de hecho, Spiritualized está formada por un ex-Spacemen 3, Jason Spaceman, que compone todo y los demás músicos le acompañan) y, si apuramos, que fueron rozando My Bloody Valentine. Un discazo, en definitiva. 

Desde el tema que abre el disco, que toma melodías del Canon de Pachelbel y letra de Elvis Presley (I Can’t Help Falling in Love With You, nada más y nada menos) y que las mezcla en un perfecto himno al espacio y al amor, nos vemos ante un disco majestuoso, elegante y bello como él solo (con hueco, además, para toques noise y free jazz, y para un ritmo que te transporta en cada canción, desde lo más delicado a lo más fuerte).

El disco, además, se presenta como una pastilla para curar “todos los males de amor”. Como tal, lleva una receta, unos ingredientes (los músicos) y unas dosis (las canciones). Sólo reprodúcelo, siente cada nota, y llegarán a ti los sentimientos más puros, a la vez que una psicodelia sin igual, un canto al amor, al espacio, a Dios y a todo aquello que tiene obsesionado a Jason Spaceman. Y nosotros, simples oyentes, tan pequeños al oír semejante majestuosidad. Simplemente, un disco para recordarlo toda una vida. Como leí una vez, para tener en una estantería justo al lado del Dark Side Of The Moon y del Ok Computer.

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Regency - Awakening (2001)

Hoy me siento hipster, hoy me siento underground, y no es para menos, pues os traigo uno de los discos mas injustamente poco conocidos de los que he tenido el gusto de escuchar hasta ahora.

Se trata de Regency, trío francés formado por Martial Allart a guitarra, Charles Monzat a batería, y Kevin Spich a teclados, y... ya está, no sé más, se acabó, c´est fini. No he podido encontrar mas información de ellos en ésta gran red de redes, aparte de que publicaron su primer y único largo hasta la fecha, titulado "Awakening" allá por 2001, para luego desaparecer de escena. Ni en su triste y sosa página web tienen mas información... anonadado me hallo.

Regency hace uno de los mejores instrumentales de metal progresivo que he tenido el gusto de escuchar. Bebiendo directamente de Liquid Tension Experiment, y de Petrucci, y de toda esa oleada de metal progresivo que le sucede; Regency tiene el acierto de abandonar esas idas de olla que suelen estropear muchas veces algunos temas del género, y que son una práctica mas que común de esos virtuosos, que bien, muestran calidad mas que sobresaliente, pero no consiguen crear esos temas que te puedan enganchar de verdad. Y no estoy quitando virtuosismo a este grupo, todo lo contrario.

Uno, si se permite pasar el primer minuto y medio de "Fugitive" y escuchar como se desarrolla la cosa, pronto se dará cuenta de lo que estoy hablando. Se trata de lo mismo de siempre, pero especial.

Enlace: http://www.mediafire.com/?iacicuq9ul7t44l

Toe - For Long Tomorrow (2009)

Hace solamente tres entradas os hablé del movimiento math rock proveniente del país del sol naciente. Hoy me permito el lujo de repetir la misma fórmula.

Toe es con certeza uno de los mejores grupos de éste genero que podemos obtener de Japón. Poseen un sonido limpio, repetitivo y sugerente, a medio camino entre el post-rock y el math, en el que destacan las aportaciones ritmicas del bajo y la batería. Su fórmula base, es decir, instrumental a base de guitarra electrica, bajo y batería, se ven adornados en apariciones fugaces de alguna guitarra acústica, voces, distorsiones tímidas y quizás algún que otro teclado.

Ellos son Kashikura Takashi en la batería, Mino Takaaki y Yamazaki Hirokazu en las guitarras y Yamane Satoshi en el bajo. Éste es su segundo album de estudio, y llevan funcionando desde el año 2000.

Uno de esos grupos de culto que marcan un nuevo camino para la evolución del género.

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