La Mounte Young- The Well-Tuned Piano (1964)

“Dibuja una línea recta y síguela” – La Mounte Young

Estamos en el principio del fin del curso académico, inmersos en plena maniobra esquivo-agresiva del fracaso intelectual. A estas latitudes del curso está bien visto ejercer un férreo control sobre la concentración y las horas de estudio: hay que mejorar el rendimiento, la distracción no está permitida al parecer. Es en esta época cuando el minimalismo invade mis listas de reproducción en oleadas bitonales.

Pues bien, propongo para el estudio y la relajación uno de los discos cumbre de La Mounte Young, su The Well-Tuned Piano. Para no robaros mucho tiempo, sólo diré que es una composición minimalista de improvisación con temas predefinidos de una extensa duración (más de 5 horas de música) que compuso casi en secreto. El piano es afinado usando el sistema justo de afinación (just intonation), al estilo pitagórico, en contraste con el temperamento igual (equal temperament), que es el normalmente utilizado para afinar la mayoría de instrumentos occidentales .

Tecnicismos aparte (aunque más adelante hay enlaces a wikipedia con artículos para el que quiera profundizar más, junto con la biografía del autor) la música en The Well-Tuned Piano deja una sensación de, por así decirlo “armonía artificial”. Todas las notas, arpegios, acordes y cadencias encajan a la perfección, dejando una resonancia agradablemente electrizante. Y, sin embargo, no parece natural, aunque sí muy estimulante. Probablemente sea por el cambio al que no estamos acostumbrados; puede que  el error humanice la música, pero el resultado es inmejorable. Estamos hablando de una música que evoluciona de manera digamos tridimensional: es imposible admirar su belleza escuchando sólo 5 o 10 minutos, que nos parecerán terriblemente monótonos, hay que sentir la música a un nivel superior, hay que dejarla evolucionar por sí sola y contemplarlo desde fuera.

La liberación de tu mente aquí :

Disco 1

Disco 2

Disco 3

Disco 4

Disco 5

Los más curiosos quizás encuentren aquí lo que buscan:

Biografía de La Mounte Young en wikipedia

Sistema Justo de entonación

Sistema temperado u occidental 

Steve Reich- Music for 18 Musicians (1976) y Different trains (1988)

"Todos los músicos del pasado, comenzando con la Edad Media, estaban interesados en la música popular. (...) La música de Béla Bartók se hace enteramente con fuentes de música tradicional húngara. E Igor Stravinsky, aunque mintió acerca de ello, utilizó toda clase de fuentes rusas para sus primeros ballets. La gran obra maestra Dreigroschenoper, de Kurt Weill, utiliza el estilo del cabaret de la república de Weimar y por eso es una obra maestra. Arnold Schoenberg y sus seguidores (...) crearon un muro artificial, que nunca existió antes. En mi generación tiramos el muro abajo y ahora estamos de nuevo en una situación normal, por ejemplo, si Brian Eno o David Bowie recurren a mí, y si músicos populares remezclan mi música, como The Orb o DJ Spooky, es una buena cosa. Esto es un proceder histórico habitual, normal, natural."

(Más minimalismo señores)

Steve Reich nació en Nueva York pero a raiz del divorcio de sus padres cuando aún era un bebé, iba a a pasar tanto tiempo allí como en California. Así, se licenció en filosofía en la Universidad de Cornell, antes de ingresar en la prestigiosa Julliard School para iniciar sus estudios de música. Asimismo, en la costa oeste estudió con Luciano Berio o Darius Milhaud en el Mills College. Trabajó, además, con artistas como Terry Riley e incluso participó en el estreno de la obra cumbre de éste, "In C". Sus viajes por el mundo, como en los casos de Riley o Glass, completaron sus influencias musicales. En el caso de Reich, su estancia en Ghana con el percusionista Gideon Alorwoyie, junto con sus estudios del instrumento balinés gamelan en Seattle, completan su formación musical y tendrán un gran impacto en su escritura.

El trabajo que tratamos aquí hoy está considerado como uno de los más importantes de Reich, si no el que más. "Music for 18 Musicians" es el primer trabajo de Reich para una formación extensa de músicos, aunque el título no tiene que tomarse de forma literal y la pieza admite un número mayor de ejecutantes. Reich comenzó a escribir la obra en 1974 para completarla 2 años después, ya en 1976.

Los 18 músicos originales se dividen en un cellista, un violinista, dos clarinetes (ambos al clarinete bajo), cuatro pianistas, tres marimbas, dos xilofonos, un metalófono y cuatro voces femeninas. La obra comienza con un ciclo de 11 acordes, desarrollados en la parte inicial y bautizados como "pulsos". El ritmo lo marcan los vientos y las voces. Cada intérprete toca una nota durante el tiempo que le permitan sus pulmones hasta completar el "pulso" y el metalófono marca cuándo deben cambiar el patrón o la sección a interpretar. Este ritmo se combina simultanemente con la pulsación rítmica de los pianos y las percusiones. Cada uno de los acordes iniciales se sostiene durante dos respiraciones completas de los clarinetistas antes de pasar al siguiente hasta cubrir los once. En ese momento se regresa al primer acorde, sostenido por dos pianos y las marimbas y sobre él se contruye la primera variación tras la que se pasa al segundo acorde y así sucesivamente.

Music for 18 musicians: http://www.mediafire.com/?0w38nu6kgbhi156

Different trains: http://www.mediafire.com/?uaxzm2jvnwu

Morton Feldman- The Rothko Chapel (1971)

Últimamamente se está tocando mucho en el blog el tema de los padres del minimalismo. Aquí tenemos otro.

Morton Feldman fue un destacado compositor norteamericano, conocido por algunas de sus singulares piezas instrumentales, compuestas por sonidos aislados de muy larga duración y para inusuales agrupaciones de instrumentos.

Siempre a través de John Cage, Feldman conoce a algunas de las más importantes personalidades de la escena artística neoyorkina, en la que por aquellos años destacaban Jackson Pollock, Philip Guston, Frank O’Hara y Samuel Beckett. Especialmente, se sintió fascinado por el primero y sus colegas; sus pinturas, enmarcadas dentro del expresionismo abstracto, se convirtieron en una nueva gran inspiración para él. A partir de ese momento, intentará extrapolar las pinturas de estos artistas a sus composiciones, tal y como queda reflejado en su siguiente comentario:

«Me interesa la dimensión global de Rothko, que anula el concepto de las relaciones entre proporciones. No es la forma lo que permite a la pintura emerger; el descubrimiento de Rothko ha sido el de definir una dimensión global que sostiene los elementos en equilibrio… Soy el único que compone de esta manera, como Rothko: en el fondo se trata solamente de mantener esta tensión, o este estado, a la vez helado y en vibración».

En cuanto a este disco está dedicado a la capilla Rothko ubicada en Houston. Mark Rohtko pintó los 14 cuadros que hay en el interior de esta capilla, la cual recién pudo inaugurarse un año despues de su muerte, en 1971.

La idea de este lugar, es que puedan realizarse ceremonias religiosas de cualquier credo, ya que no posee ningun símbolo relacionado a ninguna religión ni cultura; la música fue compuesta en el año de su inauguración, como homenaje a Rothko, quien tambien había hecho música inspirado en otro pintor, Philip Guston.

En este video pueden verse mas imágenes: http://www.youtube.com/watch?v=qxSt_w2ODaQ

Enlce: http://www.mediafire.com/?mwnwejurzne

La Monte Young & Marian Zazeela - Dream House 78'17

Estamos en épocas de exámenes, la mayoría (sí, se que esta información es irrelevante). Y mientras tanto en mis oídos suenan las rebajas musicales. Rebajas que para muchos es sínonimo de simpleza. He de señalar antes de seguir la diferencia entre sencillo y simple en el ámbito musical. Sencillo es algo que carece de adornos. Simple es una composición de fácil representación.

Con la explicación anterior quiero señalar que pese a que una pieza musical carezca de adornos puede ser compleja y de difícil ejecución. Esto es el minimalismo amigos y La Monte Young uno de sus padres. Estamos ante piezas de duración infinita, que se pueden prolongar hasta el fin de los tiempos. No hay apenas variaciones o progresiones. Redución hasta a lo absurdo, como un texto de Samuel Beckett. A pesar de todo no falta virtuosísmo en los músicos . Virtuosismo más que nada para mantener una masa de sencillez en el largo del espacio tiempo.

La Monte Young es pionero en el concepto de las duraciones extendidas del tiempo en la música contemporánea durante 35 años. Así mismo, su obra ha desempeñado un papel importante en el desarrollo del uso de la Entonación Just en la música del siglo XX y del crecimiento del estilo Minimalista. Implicado de manera temprana en el jazz, durante los años 50 fue músico de saxofón de jazz en Los Angeles, tocando con Eric Dolphy, Ornette Coleman, Billy Higgins y Don Cherry, entre otros. Después de graduarse en sus estudios de composición en la Universidad de California en Berkeley, se mudó a Nueva york, donde dirigió su primer concierto en esa ciudad. Vive en Nueva York desde entonces. Cabe citar que fue alumno de Pandit Pran Nath, del cual subimos un disco hace poco.

Información de interés http://www.uam.mx/difusion/casadeltiempo/88_may_2006/casa_del_tiempo_num88_46_48.pdf

Enlace: http://www.mediafire.com/?tytmg2ajewm

Pandit pran nath - Ragas of morning and night (1986)

Antes que nada debo advertir que este disco no es apto, o mejor dicho no es recomendable para occidentales recalcitrantes, quienes seguramente lo encontrarán monótono hasta lo insoportable.

Todo el mundo habla siempre de la influencia de la cultura hindú en generaciones literarias y musicales como la de los poetas Beat o el minimalismo, pero pocos indagan de verdad en esto. Grandes músicos como George harrison, Terry Riley, La Monte Young, los grupos de psicodelia en general, Donovan, Velvet Underground, etc, han bebido ampliamente de estas aguas.

En este disco estamos ante dos ragas, complejas escalas hindúes destinadas a distintos momentos; aquí tenemos uno para la mañana y uno para la noche, aunque seguramente no encontrarán diferencia entre el clima de uno y del otro, ya que no es una música pensada cono algo representativo, como podrían ser Las cuatro estaciones, de Vivaldi.

De Pandit Pran Nath podemos decir que fue un cantante, músico y profesor de música tradicional hindustaní, y para ubicarlo en relación a la música de occidente, creo que es necesario recordar que enseñó la música de la India a muchos músicos norteamericanos, como los minimalistas La Monte Young, Marian Zazeela y Terry Riley, con quienes ha grabado discos, por ejemplo, este disco que aquí tenemos, fue producido por La Monte Young y Marian Zazeela.

Lo aprendido por los músicos ya nombrados, influenció profundamente a las experiencias "drone" de La Monte Young con sus grupos Theater of eternal music, y The dream syndicate, de las cuales participaron a mediados de los años 60's John Cale y Angus McLise, quienes un par de años despues formaron parte de la famosa banda Velvet Underground. Pandit tambien fue profesor de músicos de Jazz.

¡Disfruten de esta esperiencia espiritual!

Enlace: http://www.mediafire.com/?xxiuhqmzwmi

John Cage- 4′33″

"No entendieron su objetivo. No existe eso llamado silencio. Lo que pensaron que era silencio, porque no sabían como escuchar, estaba lleno de sonidos accidentales. Podías oir el viento golpenado fuera durante el primer movimiento. Durante el segundo, gotas de lluva comenzaron a golpetear sobre el techo, y durante el tercero la propia gente hacía todo tipo de sonidos interesantes a medida que hablaban o salían."

—John Cage sobre la premier de 4′33″-

Uno siempre dice tal grupo es original y tal otro no lo es. Pero en mi joven experiencia como melómano me he dado cuenta que todos combinan su material genético intentando sacar algo diferente, negando las procedencias paternas en muchos casos.

He tenido la suerte últimamente de rodearme con personas de gustos extravagantes musicales, pero en parte también la mala suerte. Mires por donde lo mires el "underground" está lavando el cerebro a muchos. ¿Y que es el underground? ¿un piojo que lucha contra la cultura mainstream, en general el pop, pero no solo él?. Rechazamos un disco de tal grupo y otro disco de tal grupo lo elevamos al cielo, cuando lo que hace falta en realidad es el silencio y conocer todo tipo de desnudo.

John Cage fue el gran artífice del silencio y del azar. Partió de la idea de que uno no puede crear nada nuevo cuando improvisas debido a que tus gustos te influyen. El desinterés por la improvisación en su obra es por tanto es latente. ¿Y que le queda entonces? el azar y el silencio como dije antes. Por ejemplo, en Child of Tree (1975) y Branches (1976) pide a los intérpretes que utilicen ciertas especies de plantas como instrumentos, por ejemplo el cactus. La estructura de estas piezas está determinada a través del azar de sus elecciones, siendo este el resultado musical.

No pretendo entrar en ese estúpido debate de que es ruido o música, simplemente quiero mostrar que bajo una capa aparentemente absurda se puede esconder toda una complejidad de ideas.

Frases aleatorias, acordes aleatorios, ritmos aleatorios, etc. Quizás eso es los que no queda para poder componer algo radical, ya sea en la literatura, música o cine.

Entrando ya en esta obra, cuando Cage se presentó ante toda una audiencia con una orquesta y sacó un reloj de su bolsillo para medir 4′33″ de silencio. Se armó un gran escándalo en la sala, muchos se fueron indignados pensando que les estaban tomando el pelo, recitando el tópico "el arte contemporáneo es una basura".

Los prejuicios de los espectadores hicieron no apreciar el sentido de la obra, escuchar los ruidos humanos o de la naturaleza que se producen en un concierto.

Quizás Cage es el precursor de toda la escena Noise con esta obra. En fin amigos, no esperen un enlace de descarga esta vez, os podéis conformar con un vídeo del youtube.

http://www.youtube.com/watch?v=hUJagb7hL0E

Michael Nyman (Tres discos)

Michael Nyman (23 de marzo de 1944 — Stratford, Londres) es un pianista, musicólogo y compositor minimalista. Es uno de los músicos británicos más innovadores y aclamados. Su trabajo abarca óperas, cuartetos de cuerda, bandas sonoras y conciertos orquestales. Además es intérprete, director, escritor, fotógrafo y cineasta, mucho más que un mero compositor. Considerado como un “hombre del renacimiento”, su inquietud creativa y su polivalencia artística le han convertido en uno de los íconos culturales más fascinantes e influyentes de nuestro tiempo. Michael es conocido sobre todo por las obras escritas durante su larga colaboración con el cineasta británico Peter Greenaway.


Su disco debut producido por Brian Eno para su sello de música experimental. Ni Brian ni Michael engañan a nadie: dos temas de aproximadamente media hora cada uno que llevan al máximo la experimentación y búsqueda de nuevas formas musicales. El primer tema, “1-100”, es un equivalente casi matemático que Nyman crea para servir de paralelo a una idea de Peter Greenaway para el corto del mismo nombre. Si en “1-100” Greenaway nos muestra esos cien números en contextos diferentes, el acompañamiento de Nyman es nada más y nada menos que un acorde distinto por cada número, lo que convierte a la pieza en una aburrida sucesión de cien acordes con un valor únicamente experimental pero de casi nulo disfrute musical.

La segunda pieza (Bell set nr.1) es un juego de campanas que llega a hacerse bastante pesado y que nos quiere demostrar las cualidades de un set de campanas que nuestro hombre compró en Turquía. Hay que ver...

Su segundo álbum es al mismo tiempo su primer disco con algo que decir en el terreno de lo musical. Alucinado por las posibilidades de “Campiello Band” (banda que él juntó para adaptar unas canciones del siglo XVIII por encargo, y que según él era “una banda callejera amplificada”) la rebautiza como “The Michael Nyman Band” y se pone manos a la obra para componer repertorio para tocar. En este álbum encontramos piezas que se convertirían en clásicos, como “In Re Don Giovanni” o “Bird List Song”. El sonido de este álbum es seco y primitivo. Ya podemos encontrar los rasgos de Nyman que le harían famoso, pero todavía suena demasiado radical y recargado. Todavía es un Nyman minoritario.

Como curiosidad, el mismo año editó un álbum llamado “Mozart” que no era otra cosa que una reedición de algunas piezas de su disco anterior, renombradas y con el orden alterado.

Tercer disco,The Draughtsman's Contract, aquí es un deber mencionar a Mozart. Es cierto que la música está basada en maneras del genial compositor austriaco, pero para un oyente normal y corriente a veces es mejor dejar de lado toda la matemática con la que Nyman planea sus obras, y centrarse únicamente en el resultado final.

Y el resultado final aquí es más melancólico y dramático que en los otros dos largos para Greenaway. La sección de cuerda es omnipresente y los vientos y metales han perdido el papel principal que tenían en The Draughtsman's Contract. Es una banda sonora más ligera, pero no por ello más fácil de escuchar. A ratos es densa, y pese a que el tema final, “Endgame”, es un prodigio lírico, a muchos oyentes estos 53 minutos les pueden parecer aburridos. La melancolía y el lirismo son todavía algo fríos y distantes. Es bella pero no cercana.

Decay Music: http://www.mediafire.com/?jwjdtyyydwy

Michael Nyman Band, esencial: http://rapidshare.com/files/174602103/Michael_Nyman_-_The_Essential_Michael_Nyman_Band__1993_.rar

Drowning by Numbers http://www.mediafire.com/?myzz43jzd5n

Wim Mertens- Maximizing The Audience

Wim Mertens (nacido en Neerpelt, Bélgica, el 14 de mayo de 1953) es un compositor, cantante contratenor, pianista, guitarrista y musicólogo belga.

Mertens estudió Ciencias Sociales y Políticas en la Universidad de Leuven (graduándose en 1975), así como Musicología en la Universidad Ghent; también estudió Teoría Musical y piano en el Real Conservatorio de Gent y Bruselas. En 1978, se convirtió en productor en el entonces BRT (Radiotelevisión Belga). Para Radio 2 (Radio Brabant) produjo conciertos de Philip Glass, Steve Reich, Terry Riley, Meredith Monk, Urban Sax y otros, y tuvo un programa llamado Funky Town junto con Gust De Meyer (con el que grabó el CD experimental For Amusement Only).

Conocido sobre todo como compositor desde los últimos años setenta, Mertens es reconocido por su obra Struggle for Pleasure, la cual fue elegida como música para los anuncios del operador de GSM belga Proximus. Es también conocido por su pieza Maximizing the Audience, que fue compuesta para la obra de Jan Fabre The Power of Theatrical Madness, estrenada en 1984 en Venecia, Italia. El estilo de Mertens, aunque en continua evolución durante el transcurso de su prolífica producción, roza el minimalismo, la música ambiental y el avant-garde, normalmente, en cualquier caso, preservando la melodía de las incursiones que realiza en los mundos que explora.

La música de Mertens fue usada en la película de 1987 de Peter Greenway The Belly of an Architect, junto con la de Glenn Branca. Mertens también grabó bajo el nombre «Soft Verdict» y es el autor del libro American Minimal Music, acerca de la escuela de la música repetitiva americana, también llamada «minimalista».

En marzo de 1998 Mertens se convirtió en el Embajador Cultural de Flandes.

Enlace: http://www.mediafire.com/?o0d61nyrgkygkk3

Talk Talk- Laughing Stock

Talk Talk fue una banda inglesa de rock formada en 1981 en Londres, y disuelta en 1991. En el comienzo de su carrera el grupo fue encasillado dentro del estilo denominado synth pop, formando parte del movimiento New romantic, llegando incluso a ser amigos de Duran Duran, la banda más representativa del New romantic. Su carrera se volvió más interesante en sus dos últimos discos, los cuales tornaron en una dirección más experimental. Su último álbum es considerado por la crítica como precursor del post-Rock, al igual que el Spiderland de Slint publicado también en 1991.

El cantante Hollis niega la etiqueta post rock y dijo en entrevistas que su único objetivo era hacer música minimalista, llegando a declarar incluso "La cosa más importante con la que puedes trabajar es el silencio...siempre he creído que una nota es mejor que dos, dos notas son mejores que tres, así que nunca es dificil elegir porque estás buscando fragmentos muy pequeños". Tenían como influencias a músicos impresionistas como Erik Satie o Debussy, músicos de jazz como John Coltrane o Miles Davis y el Krautrock.

La importancia de esta banda se puede observar al ver la carrera de grupos como Radiohead ,Tortoise e incluso Sigur Ros.

http://www.mediafire.com/?gytmzywjhj2