Después de tanto tiempo sin subir nada (disculpen) os traigo este disco del aún por desgracia desconocido Guido Del Fabbro, un joven violinista que nació en Montréal en 1980, comenzó a tocar el instrumento a los cuatro años y a sobre los diez empezó a manifestar un preclaro gusto por la mezcla de improvisación y composición. Es además co-fundador, creador y compositor de la Mouvement de Musique Présente, un enorme y cambiante conjunto de músicos de tendencias poco convencionales.
Muy interesante trabajo que combina multitud de texturas, en ocasiones cercanas a una electrónica apagada, ligeramente trip-hop y analógica, como una reminiscencia noir. En otras, se puede entreveer una similitud lejana a Univers Zéro, llevando siempre el violín hacia terrenos desconocidos, con sonidos de cuerdas tratados en post-producción, hechos oscilantes y hermosísimamente definidos.
A pesar de tratarse de un trabajo tan peliagudo (di tú un adjetivo mejor para definir algo RIO...) con tanta dosis de improvisación y disonancias tan espectaculares, no cae en lo monótono ni en la chifladura máxima e infumable... sino que se mantiene con pasajes de lo más memorables, y si permitís un breve alarde de imaginación... es hasta bailable.
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La creatividad no suele tener barreras, o eso suelen decir.
Si echamos un vistazo al país del sol naciente no es muy dificil darse cuenta del resurgir del math rock como una nueva corriente que acoge a numerosos grupos en el paronama actual de éste país.
Y no voy a hablaros de Lite, Rega, Mirror u otros tantos, que sí, vienen siendo grupos con calidad mas que suficiente. Pero como dijo nuestro amigo Maxwell Mackintosh en su post de Faraquet, suenan un poco a lo mismo de siempre.
Hoy os traigo una propuesta interesante: 2 pianos y una batería. Así es, seguimos hablando de Math rock, exactamente; y sin guitarras; ni cosas por el estilo. Mouse on the Key lo conforman Akira Kawasaki (batería, teclados), Atsushi Kiyota (piano & teclados), Daisuke (piano & teclados), y juntos forman ésta curiosa propuesta proveniente de Tokio, que publicaron su primer EP allá por 2007.
El album aquí recogido fué publicado en 2009 y ha sido su primer y hasta la fecha, único trabajo de larga duración.
En mi humilde opinión, de lo mejorcito que está dando esta corriente actualmente en Japón.
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Y como hoy me siento generoso también os regalo su primer EP: Sezession.
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Alah, disfrutad de la vida, sed felices y dormid bien esta noche.

Nacido en en 1949, este cantante, compositor, actor e instrumentista ha tenido una carrera bastante prolífica y difícilmente etiquetable. Y es que, con algo más de veinte discos a la espalda, Tom Waits es de estos artistas que son tal y como se han hecho, de esos del “estilo personal”. Si bien es cierto que bebe mucho del blues, toca, o más bien transmuta su música con desgarros de jazz, tango, rock, música experimental, electrónica… una agría y atractiva mezcolanza, en definitiva.
“Rain Dogs” es un disco urbano, inspirado en el bajo mundo de NY, sus calles, bares, las viejas tuberías y el eco que generan en los sonidos, es el canto de un vagabundo que no sabe donde va a dormir. Curiosamente, como contraste, tiene tal vez algunas de las canciones más pop de su carrera: “Time” o la historia de amor a primera vista de “Downtown Train”.
Polkas, ritmos sincopados, rock, country, folk, jazz, balada, experimentación, blues, pop, roots… musicalmente complejo, participan más de 20 músicos e intervienen instrumentos poco usuales en el rock como marimbas, trombones, todo tipo de órganos, violines, banjos, trompetas, acordeones… además de algunos utensilios como metales o serruchos que se utilizaron para dar texturas y ruidos extraños. Entre los músicos hay algunos muy destacados, empezando por Keith Richards quien toca guitarras y hace algunos coros o Marc Ribot guitarrista de culto que su curriculum va desde el free jazz hasta llegar a la música cubana.
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De ascendencia siciliana, griega, árabe, francesa, irlandesa y alemana, fue el mayor de cuatro hijos. A causa del asma que Frank sufría, su familia se mudó en enero de 1951 a Monterey, California, unos 150 kilómetros al sur de San Francisco. Antes de volver a California (San Diego) a principios de los años 50, vivieron un tiempo en Pomona y en El Cajón. En 1955 la familia se reestableció en Lancaster, pequeña ciudad en el valle Antelope, en el desierto Mojave, unos kilómetros al norte de Los Ángeles. A los 15 años, Frank había pasado por seis escuelas diferentes, lo que quizá contribuyó al sentido de alienación que lo embargaría en su adultez.
Su padre, que había nacido en Sicilia, era químico y trabajaba cerca de la base Edwards de la Fuerza Aérea estadounidense, lugar dedicado en aquella época a la investigación en el campo de las armas químicas. Dada esa proximidad, tenía en su casa máscaras de gas, en caso de que hubiera algún accidente y es seguro que esto afectó enormemente al joven Frank: en su obra se encuentran varias referencias a gérmenes, guerra bacteriológica y otros aspectos de la industria militar secreta.
La situación de Lancaster permitió a Frank acceder a la estimulante influencia de los sonidos (musicales y publicitarios) de las radios de Los Ángeles y zonas aledañas, y sus padres le compraron un tocadiscos, discos, un televisor e instrumentos musicales. La televisión fue asimismo otra gran influencia: en casi todas sus obras hay referencias a ella, a sus programas, sus anuncios publicitarios y sus jingles.
Su obra cubrió una larga variedad de estilos musicales (principalmente, avant-garde, jazz fusión, y clásico contemporáneo) y se destacó en su mezcla de academia, ópera rock, absurdo, humor escatológico y satírico.
Creó y lideró una gran banda musical The Mothers Of Invention, posteriormente llamados solo «Mothers», por la que pasaron los mejores exponentes del rock y el jazz de su generación, un exquisito grupo de músicos entre los que destacan Jean Luc Ponty, George Duke, Steve Vai, Terry Bozzio y otros.
Pese a que gran parte de su obra fue alabada por la crítica, nunca obtuvo un éxito masivo, si bien nunca buscó tal cosa a lo largo de su carrera (lo cual puede comprobarse en sus declaraciones acerca de la corriente principal —«mainstream»— de la industria musical).

Una de las cosas que más nos gusta de la música es que siempre nos puede sorprender, hay un montón de cosas que pasan por la cabeza en esos segundos antes de presionar el botón play. Esta historia es un tanto curiosa y un ejemplo de como la buena música puede perdurar. Sibylle Baier es una cantante y actriz nacida en Alemania quien grabó una serie de canciones junto a su guitarra y una máquina de grabación, todo en la intimidad de su hogar en Alemania, esto sucedió entre el año 70 y 73, luego de esto, Sibylle Baier viajó para residir y hacer su vida de forma definitiva en los Estados Unidos.
El relato se torna curioso cuando estas canciones que Baier grabó en los setenta ven la luz en el año 2006. Las cintas estuvieron guardadas por más de treinta años en su hogar, hasta que su hijo en un astuto movimiento las entregó a J. Mascis (lider de Dinosaur Jr.), es así como el sello discográfico Orange Twin decide lanzar el disco Color Green.
Una hermosa colección de pequeñas joyas hechas canciones. Sibylle, con una pericia en la guitarra casi mágica, arreglos muy puntuales y directos en cada canción, nos hace sentir como si estuviéramos ahí, en su cuarto, mientras nos relata algo de su rutina, sus secretos y su vida. De esos discos muy puros y limpios, donde es posible escuchar cada cuerda de la guitarra, la forma en que delicadamente los labios se separan y como la respiración hace su ciclo para convertirse en una hermosa voz. Si usted es fan de Leonard Cohen, Vashti Bunyan, Nick Drake o Nico, muy seguramente este disco le traerá algunos recuerdos a ellos. Sin duda una de esas sorpresas y coincidencias que nos sigue trayendo la música para nosotros los mortales.
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Térez Montcalm nacida en Québec (Canadá), es francofono-parlante y excepcionalmente este disco está grabado totalmente en Inglés, aportando no solo la voz a esta obra sino también mucha guitarra. Es uno otros de esos genios ocultos, en la línea de la nueva ola de cantantes de jazz, muchos más cercanos al gran público.
Ella cita en entrevistas como sus principales influencias a clásicos como Jimi Hendrix o Janis Joplin, aunque su música se separa en gran parte de ellos.
En este disco encontrarás diversos estilos y actitudes. Con Térez Montcalm, cada corte es una nueva aventura. Su voz me conmueve, sus letras, sus desgarros...
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Keith Jarrett (Allentown, Pennsylvania, Estados Unidos, 8 de mayo de 1945), pianista y músico de jazz estadounidense.
Se trata de uno de los maestros del jazz de vanguardia, cuya producción más sobresaliente es una serie de piezas improvisadas grabadas en directo en Colonia, París, Milán, Viena, Tokio y otras ciudades. Probablemente estos sean sus trabajos más famosos, pero es sin duda un enorme virtuoso. Muy versátil, Keith ha interpretado lo mismo música de autores del barroco europeo como Johann Sebastian Bach o Georg Friedrich Händel, solo o en diversas alineaciones que incluyen, entre otros, a la virtuosa de la flauta barroca Michala Petri, que autores minimalistas contemporáneos como Arvo Pärt o jazzistas contemporáneos como Miles Davis, con quien inició propiamente su carrera, Chick Corea, Jan Garbarek, Gary Peacock, Charlie Haden y Jack DeJohnette entre otros.

Empezó su carrera en los años 20 como músico de sesión, pronto su elegancia y maestría con las 6 cuerdas no pasaría inadvertida y empezaría a grabar en solitario. Fue un pionero en la utilización de la 'jazz guitar' y en los solos de guitarra de una sola cuerda.
Puede que «tomorrow night» sea su canción más conocida, en los años 60 se benefició del boom del blues y la música de raices para volver a dar conciertos y realizar grabaciones impagables.

No sin mucha razón, muchos fanáticos del jazz imaginan a este ritmo como una especie de comunicación alterna, que maneja su propia forma de presentación, convencimiento, y por qué no, seducción, Ahí rondan tantas declamaciones a viva voz como susurros misteriosos cargados de tentación. Lo que se puede decir sobre el que practicaban Charlie Parker y Dizzy Gillespie es que era un dialogo eternamente animado, a veces tumultuoso, otras payasesco, desafiante ante todo lo que se hacía y escuchaba en su época. A nosotros nos queda solo imaginar como fueron esos recibimientos hostiles a esos shows convertidos en pretexto para olvidarse del resto y sumergirse en un idioma nuevo.
Estos reyes y amigos forjadores de bebop -acaso la vanguardia más rotunda del universo sincopado del jazz hasta las experimentaciones de Miles Davis- conservan sus estrellas particulares aún cuando suenen siempre como las dos caras de la misma moneda. Tal vez sus sonidos no se dejen oír tan bien como cuando estaban juntos, algo que sabían muy bien. Los dos arrastraban historias de lucha contra la adversidad y sus respectivas secuelas, acaso más trágicas en el caso de “Bird”. Y todo ello se deja sentir hasta en sus grabaciones más logradas. Ediciones más recientes nos han permitido acceder, en calidad de outtakes, a muchos momentos desconcertantes y sentidos de esa relación profunda y conflictiva.
Bird and Diz no solo es el último disco que sacaron juntos, sino también, en mi opinión, el más significativo. Esta compuesto por un puñado de interpretaciones grabadas en junio de 1950, durante una sesión tan caótica que casi al final todos los participantes ya la consideraban frustrante. El desastre viviente en que se había convertido Charlie ya no tendría retorno, pero su saxo y su predominancia como compositor se conservan magistrales. Ahí sigue aquel irrespetuoso autodidacta ya no con el acompañamiento de las cuerdas que lo llevaron a la cumbre, pero si con el empeño dinamitador de las reglas, que compartía con el diligente trompetista que lo sobreviviría muchos años más.
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Chesney Henry Baker, Jr. (Yale, Estados Unidos, 23 de diciembre de 1929 - † Ámsterdam, Holanda 13 de mayo de 1988), Chet Baker, trompetista y cantante estadounidense de jazz.Se trata de uno de los músicos de jazz más populares de la historia: imagen, biografía, leyenda y cualidades artísticas conformaron un artista sumamente atractivo para el gran público, desbordando los habituales círculos restringidos del jazz. Su música, exponente del estilo cool (el west coast jazz de los años cincuenta), es sumamente accesible y delicada, y casi siempre está vinculada a la balada intimista, lírica y delicada, tanto en su vertiente instrumental como vocal. La trompeta de Chet Baker suena con una suavidad y tranquilidad similar a la de su voz.
El padre de Baker, Chesney Henry Baker, Sr., era un guitarrista y su madre trabajaba en una perfumería. En 1940 se trasladaron de Yale a Glendale, en California. Siendo niño, Baker cantó en concursos de aficionados y en el coro de la iglesia. En su adolescencia, el padre le compró un trombón, que luego reemplazaría por una trompeta al ser demasiado grande el otro para el chico. Su primer aprendizaje musical tuvo lugar en el instituto de Glendale, aunque su formación musical terminó por ser puramente intuitiva. En 1946, con 16 años, abandonó la escuela y se enroló en el ejército. Fue enviado a Berlín, donde tocó en la 298th Army Band. Tras su regreso en 1948, se apuntó a El Camino College en Los Angeles, donde estudió teoría y armonía mientras tocaba en los clubes de jazz; abandonó los estudios al segundo año. Se volvió a alistar en el ejército en 1950 y se convirtió en miembro de la Sixth Army Band en el Presidio, en San Francisco. Siguió actuando en los clubes de la ciudad y finalmente consiguió por segunda y definitiva vez su liberación del ejército para convertirse en un músico profesional de jazz.
Inicialmente, Baker tocó en la banda de Vido Musso y luego con Stan Getz. (La primera grabación de Baker es una interpretación de «Out of Nowhere» que aparece en una toma de una jam session realizada el 24 de marzo de 1952). Su éxito llegó rápidamente cuando en la primavera de 1952 fue elegido para tocar con Charlie Parker, debutando en el Tiffany Club de Los Angeles el 29 de mayo de 1952. Ese mismo verano, empezó a tocar en el cuarteto de Gerry Mulligan, grupo compuesto solo de trombón, trompeta, bajo y batería, sin piano, que atrajo la atención durante sus actuaciones en el nightclub Haig consiguiendo realizar grabaciones para el recién creado sello Pacific Jazz Records (más tarde conocido como World Pacific Records). El primer LP fue Gerry Mulligan Quartet, que incluía la famosa interpretación de Baker de «My Funny Valentine».
El Gerry Mulligan Quartet duró apenas un año: en junio de 1953 su líder ingresó en la cárcel por drogas. Baker formó su propio cuarteto, que en principio contaba con Russ Freeman al piano, Red Mitchell al bajo y Bobby White a la batería; realizó su primera grabación como líder para Pacific Jazz el 24 de julio de 1953. En 1954, Pacific Jazz realizó Chet Baker Sings, un disco que incrementó su popularidad y que le haría seguir cantando el resto de su carrera. Su popularidad le hizo trabajar en una película, Hell’s Horizon, de 1955, pero declinó un contrato con unos estudios para llevar a cabo una gira europea desde septiembre de 1955 a abril de 1956. A su regreso a Estados Unidos formó un quinteto con el saxofonista Phil Urso y el pianista Bobby Timmons. Contrariando su reputación de intérprete relajado, Baker tocó con este grupo al estilo bebop, que grabaría el disco Chet Baker & Crew para Pacific Jazz en julio de 1956.
Realizó una gira por Estados Unidos en febrero de 1957 con los Birdland All-Stars. Regresó a Europa en 1959, concretamente a Italia. Mientras tanto, Hollywood realiza en 1960 una biografía ficcionalizada de Baker, All the Fine Young Cannibals.
Baker se había vuelto adicto a la heroína en los cincuenta y había sido encarcelado varias veces durante periodos cortos de tiempo. No obstante, no sería hasta los años sesenta en que su adicción empezaría a interferir en su carrera musical. Fue arrestado en Italia en el verano de 1960 y pasó casi un año y medio entre rejas. Celebró su regreso grabando en 1962 Chet Is Back! para la RCA. A finales de año, sin embargo, fue arrestado en Alemania occidental y expulsado a Suiza, luego a Francia y, finalmente, a Inglaterra. Pero fue deportado de nuevo a Francia a causa de otro problema con las drogas en 1963. Vivió en París y durante todo el año siguiente actuó en Francia y España, pero tras ser arrestado una vez más en Alemania occidental, fue deportado a Estados Unidos, a donde llegó en 1964. Tocó en Nueva York y en Los Ángeles a mediados de los sesenta, cambiando temporalmente la trompeta por el fliscorno. En el verano de 1966, sufrió una gran paliza en San Francisco que estaba relacionada con su adicción a las drogas. Como consecuencia de ella, sufrió algún desperfecto en su dentadura que le llevó a modificar su embocadura en la trompeta. Hacia finales de los sesenta, grababa y actuaba sólo de forma ocasional; a comienzos de los setenta, se retiró por completo.
Retomando cierto control sobre su vida gracias a tomar metadona para controlar su adicción a la heroína, y con la inestimable ayuda de su colega Dizzy Gillespie, Baker regresó fundamentalmente con dos actuaciones: una en un importante club neoyorkino en 1973 y otra en un concierto con Gerry Mulligan en el Carnegie Hall en 1974. Hacia mediados de los setenta, Baker regresó a Europa donde seguiría actuando de forma regular, con viajes ocasionales a Japón y regresos a Estados Unidos. Atrajo también la atención de los músicos de rock, con quienes llegó a actuar, como por ejemplo con Elvis Costello en 1983. En 1987, el fotógrafo y director de cine Bruce Weber emprendió la grabación de un documental sobre Baker. Al año siguiente, Baker moriría al caer por la ventana de un hotel en Ámsterdam tras ingerir heroína y cocaína. La película de Weber, Let’s Get Lost, estrenada en 1988, consiguió una nominación a los Óscar. En 1997, fue publicada su autobiografía inacabada con el título de As Though I Had Wings: The Lost Memoir. Sus restos se encuentran en el Cementerio Inglewood Park de Los Angeles, California.
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Dexter Gordon (Los Ángeles, 27 de febrero de 1923 - Philadelphia, 25 de abril de 1990), saxofonista (tenor) estadounidense de jazz, estilista del bop y del hard bop.Su primera colaboración importante fue con Lionel Hampton (1940-1943) aunque la presencia de Illinois Jacquet le impidió lucirse en los solos. En 1943, consiguió destacar en una grabación con Nat King Cole. Unas breves colaboraciones con Lee Young, the Fletcher Henderson Orchestra y la big band de Louis Armstrong precedieron a su traslado a Nueva York en diciembre de 1944 y a su incorporación a la orquesta de Billy Eckstine, participando con Gene Ammons en la grabación de Eckstine de «Blowin’ the Blues Away». Gordon grabó con Dizzy Gillespie («Blue ‘N’ Boogie») y como líder para Savoy antes de regresar a Los Ángeles en el verano de 1946. Se convirtió allí en uno de los principales atractivos de la escena de Central Avenue, trabajando con Wardell Gray y Teddy Edwards en muchas batallas legendarias entre tenores.
Desde 1952, sus problemas con las drogas le llevaron a una carrera irregular durante el resto de la década (grabando dos discos en 1955). Hacia 1960, se recuperó e inició una serie de grabaciones para Blue Note. En 1962, en pleno éxito, se marchó a Europa en donde se establecería hasta 1976, y allí realizaría algunas de las mejores grabaciones de su carrera para SteepleChase.
John Zorn, compositor y saxofonista estadounidense. Músico de gran creatividad que ha asimilado multitud de influencias y siempre ha sentido predilección por la escena underground y las propuestas extremas y arriesgadas. Es a su vez dueño de un sello discográfico (Tzadik) inaugurado en 1995 a través del cual edita sus propios discos (ya más de cien), además de los de multitud de artistas de la escena vanguardista. Ha trabajado en múltiples proyectos a cual más arriesgado. Masada es uno de ellos, un grupo de jazz con influencias muy variadas, abiertos a la improvisación han editado más de diez discos de estudio y sus respectivos directos. También ha trabajado el mundo de las bandas sonoras; lleva editados 17 discos de sus filmworks en los cuales recolecta estos temas. Por último, ha grabado discos en solitario y múltiples experimentos musicales para dibujos animados, programaciones imposibles, sonidos abstractos, piezas de cámara, conciertos para piano y un sinfin de ideas desarrolladas junto a diversos músicos.Zorn nació en Nueva York en 1953, aprendió a tocar otros instrumentos antes de comenzar a tocar el saxofón y aprender composición allá por 1970. Tiene un método compositivo por el cual se crean diversas imágenes y momentos musicales que luego son estructurados y ordenados. Es uno de los máximos exponentes del noise-music, un estilo collage que fusiona el free, sonidos electrónicos, efectos, voces deformadas, etc. Zorn se introdujo en el jazz llevado por su pasión hacia la música contemporánea y tras escuchar a gente como John Milton, John Cage y Stockhausen, entre otros, amen de importantes influencias de la vanguardia, como Anthony Braxton. En su música descubrimos también influencias de Ennio Morricone y otros compositores de bandas sonoras, reminiscencias de la cultura judía e inspiración en los músicos-compositores Harry Partch, Charles Ives, etc.

Art Blakey (Pittsburgh, 11 de octubre de 1919 - Nueva York, 16 de octubre de 1990). La primera educación musical recibida por Blakey fue en forma de lecciones de piano; empezó a tocar profesionalmente muy joven, en su propia banda. Se pasó pronto a la batería, aprendiendo a tocar al estilo fuerte de Chick Webb y Sid Catlett.
En 1942, tocó con la pianista Mary Lou Williams en Nueva York. Recorrió el sur de Estados Unidos en una gira con la banda de Fletcher Henderson durante los años 1943 y 1944. Luego lideró en Boston una big band antes de unirse al nuevo grupo formado por el cantante Billy Eckstine, con el que estaría entre 1944 y 1947. La big band de Eckstine fue la famosa «cradle of modern jazz» e incluyó, en diferentes ocasiones, a figuras de enorme relevancia en el futuro como Dizzy Gillespie, Miles Davis y Charlie Parker.
Cuando el grupo se disolvió, Blakey formó su propia banda llamada los Seventeen Messengers. Grabó también con un octeto, la primera de sus bandas que recibió el nombre de Jazz Messengers.
A comienzos de la década de los cincuenta, Blakey comenzó una asociación con el pianista Horace Silver. En 1955, formaron un grupo con Hank Mobley y Kenny Dorham, llamado «Horace Silver and the Jazz Messengers». Los Messengers materializaron en forma de grupo el naciente movimiento del hard bop, enfatizando los ritmos primarios de la música y la esencia armónica. Un año después, Silver abandonó el grupo y Blakey se convirtió en su líder.
Desde ese momento, los Messengers fueron el vehículo expresivo habitual de Blakey, aunque continuase colaborando individualmente con otros artistas. Son destacables, en este sentido, su colaboración de 1963 para la compañía Impulse con McCoy Tyner, Sonny Stitt y Art Davis; una gira mundial en la que participó durante 1971-1972 con «the Giants of Jazz», un grupo de grandes estrellas entre las que se encontraban Thelonious Monk, Dizzy Gillespie, Sonny Stitt y Al McKibbon; y una extraordinaria actuación con otros tres grandes baterías (Max Roach, Elvin Jones y Buddy Rich) en el Newport Jazz Festival de 1964.

Su trayectoria musical, marcada por una constante creatividad y siempre dentro de la vanguardia, abarca los principales estilos del jazz posteriores al bop: hard bop, free jazz y jazz modal. La discografía de Coltrane es considerable: grabó alrededor de cincuenta discos como líder en doce años, y apareció en más de una docena de discos guiado por otros músicos.
La obra de Coltrane está conscientemente vinculada al contexto sociohistórico en que fue creada (en concreto, a la lucha por los derechos civiles de los negros) y, en muchas ocasiones, busca una suerte de trascendencia a través de determinadas implicaciones religiosas (como se puede advertir en la que es considerada por la crítica su obra maestra, A Love Supreme).
Una de las aportaciones más reseñables de Coltrane es la que se refiere a la extensión de los solos de jazz, al eliminar cualquier límite temporal a los mismos y dejar su extensión al arbitrio de las necesidades del intérprete (de ahí que muchos temas de Coltrane sobrepasen, por ejemplo, los treinta minutos).

Compositor, pianista y multiinstrumentista, sus comienzos fueron en el país africano en 1949 cuando participó en los grupos, Tuxedo Slickers y la big band de Willie Max.Posteriormente coincidió con otros grandes músicos africanos, como la cantante, Miriam Makeba y el trompetista, Hugh Masekela, pero lo que contribuyó a lanzarle a la fama fue el espaldarazo que obtuvo del maestro, Duke Ellington, que lo elogió y lo reconoció como el mejor pianista y compositor del continente africano. De resultas de ese apoyo, salió el disco grabado para Reprise en 1963 titulado: «Duke Ellington Presents The Dollar Brand Trío».
En 1965, establece temporalmente su residencia en Zurich, donde contrae matrimonio en 1965. Ese mismo año participa junto con Duke Ellington, en el Festival de jazz de Newport y renglón seguido es invitado por Elvin Jones, para formar parte de su cuarteto con el que estuvo seis meses. En el tuvo la oportunidad de trabajar con el cornetista Don Cherry, y el saxofonista, Gato Barbieri.
Retorna a Sudáfrica en 1976 con la intención de establecerse en su país, pero al cabo de varios intentos truncados por desarrollar en la tierra del apartheid, una experiencia musical normalizada, abandonó de nuevo su tierra para instalarse en New York.
Sonny Rollins (Nueva York, 7 de septiembre de 1930), saxofonista (tenor) y compositor estadounidense de jazz.Junto con Coleman Hawkins, Lester Young y John Coltrane, está considerado uno de los grandes saxofonistas tenores de la historia del jazz. Sus estilos son el bop y el hard bop, aunque se ha aproximado en varias ocasiones al free jazz en la estela de las innovaciones de Ornette Coleman, contando en ocasiones con la colaboración del cornetista de este, Don Cherry.
En su estilo siempre se ha notado la presencia de Coleman Hawkins, por su sonido denso y voluminoso, y de Charlie Parker, por la libertad de improvisación. Por lo demás, es frecuente su recurso al folclore (el Caribe, los calipsos…), su exposición reiterada de temas, su prolongación de las introducciones, su tendencia a la cita musical (himnos, canciones infantiles…), etc.
Comenzó como intérprete de piano, para luego centrarse en el saxo, primero en el alto y luego ya permanentemente en el tenor a partir de 1946. Tras realizar su grabación de debut con Babs Gonzales en 1949, Rollins logró un gran éxito con sus grabaciones con J.J. Johnson y Bud Powell ese mismo año; la última sesión le hizo tocar junto a Fats Navarro. El talento como saxofonista de Rollins fue evidente desde sus comienzos, y así consiguió tocar con Miles Davis en 1951 y con Thelonious Monk. Tras un periodo de retiro, Rollins se unió al Max Roach-Clifford Brown quintet a finales de 1955, continuando tras la muerte de Brown hasta 1957. Desde ese momento, desempeñó funciones de líder en sus grupos.
La serie de brillantes grabaciones de Rollins para Prestige, Blue Note, Contemporary y Riverside durante los años cincuenta le llevaron a ser aclamado como el mejor saxofonista tenor de la época, al menos hasta la irrupción en escena de John Coltrane. Se retiró de nuevo entre 1959 y 1961 (época en que se hizo mítica su estampa de intérprete solitario sobre el puente de Williamsburg) y regresó con un cuarteto que incluía a Jim Hall, hasta que en 1968 decidió retirarse de nuevo.
Charles Mingus (Nogales, Arizona, Estados Unidos; 22 de abril de 1922 – Cuernavaca, Morelos, México; 5 de enero de 1979), fue un bajista de jazz estadounidense, compositor, director de orquesta, y un ocasional pianista. También fue conocido como un activista en contra de la injusticia racial.Nació el 22 de abril de 1922 en Nogales, Arizona, sin embargo se crió en el área de Watts, en Los Angeles, California. Su familia tenía antecedentes suecos y afroamericanos por parte de sus abuelos paternos, y nacionalidades chinas y británicas por parte de sus abuelos maternos. A pesar de esto, creció en un entorno familiar estricto y discriminatorio.
Su madre falleció apenas seis meses después del parto a causa de una miocarditis crónica, quedando Mingus a cargo de una madrastra mitad amerindia y que permitía únicamente música relacionada con la iglesia en el hogar, por lo que Charles tuvo sus primeros contactos con la música en la Iglesia de Holiness Church de Watts. A pesar de esto, desarrolló un prematuro afecto por el jazz, especialmente por la música de Duke Ellington.
Estudió el trombón en un principio, pero dada la incompetencia de su profesor, desvió su atención hacia el chelo. Un amigo suyo, conocedor de las ideas antirracistas de Mingus, le advirtió que estaba ensayando con un instrumento más propio de blancos que de negros lo que hizo que se dedicara al estudio del contrabajo.
Durante su adolescencia escribió un gran número de piezas musicales avanzadas; muchas de éstas similares al Jazz de la Tercera Corriente (una síntesis de música clásica y jazz) . Algunas de ellas fueron grabadas en 1960 con el director Gunther Schuller, y distribuidas como Pre-Bird, en referencia a Charlie «Bird» Parker.


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