Bondage Fruit - Discografía (1994-2005)

Bondage Fruit son una agrupación nipona de lo más característica. En sus inicios allá por los tempranos años 90 fueron uno de los pioneros en el j-zeuhl, junto a grupos protagonistas de ésta escena underground como lo son Happy Family y Ruins. Quizás con un sonido más accesible que éstos dos grandes, pero igualmente aportando un soplo de aire fresco al ya un poco desgastado zeuhl francés de por aquellos años.

Sin embargo, la obra de éste grupo no debería de clasificarse en un estilo en concreto. Sus dos primeros discos siguen el marcado j-zeuhl citado anteriormente: voces orquestales, letras indescifrables, y un frenetismo a veces desquiciante. No se puede decir lo mismo de su obra a partir de III. Se dejan un poco de lado los vocales, apostando por una música prácticamente instrumental, la cual seguirá una evolución bastante notable a través de los tres discos restantes. Por los terrenos del avant y la experimentación, estos chicos pasan por múltiples influencias, aunque siempre marcados por el jazz y un rock estridente.

Sirviendo de guía recomendaría la escucha de I y II si eres aficionado al zeuhl y a los sonidos de vanguardia. Otros dos discos excelentes a mi parecer son III y VI, así que si los anteriores resultan demasiado chocantes, como suele ocurrir a menudo con discos así, que no sirva de razón para no probar con estos dos. Si le dais una oportunidad de seguro que os sorprenderá el cambio tan notable que se experimenta entre unos discos y otros.

La formación principal lo forman (sin contar a artistas que participaron en algunos discos en concreto):

- Kido Natsuki (guitarra y ocasionalmente algo más)
- Katsui Yuji  (violin y voces en ocasiones)
- Otsubo Hirohiko (bajo)
- Takara Kumiko (vibráfono y muchas cosas más)
- Okabe Yoichi (percusión y más cosas)

A continuación los discos: I, II,III,IV,V,VI 

Nada más, espero que os guste. Nos veremos de nuevo la semana que viene.

Detalle: La imagen del post es de un disco recopilatorio que estrenaron en 1999 para hacer conocer al grupo más allá de las fronteras niponas. No lo incluyo, pues no hace falta proporcionándoos toda la discografía hasta ahora, pero he pensado que podía ser igualmente representativo del grupo xD

The Keith Tippett Group - Dedicated to you, but you weren´t listening (1971)

Hablar de Keith Tippett es hablar de uno de esos virtuosos profílicos de los que es tan dificil echarles una ojeada completa debido a lo extensa de su obra. Éste pianista y compositor de jazz procedente de Bristol fué lanzado a la fama a partir de su colaboración a principios de los 70 en el single Cat Food de los míticos King Crimson, tras lo cual no dejó ni ha dejado de moverse.

El album que hoy nos compete pertenece al sexteto que formó en su temprana edad musical y que a lo personal puedo afirmar que es uno de mis discos de jazz-rock preferidos. En la alineación nos encontramos a Keith Tippett al piano (como no podría ser de otra manera) y a los músicos Nick Evans al trombón; Mark Charig  a la corneta; Elton Dean al saxo; Jeff Clyne y Roy Babbington al bajo; y Robert Wyatt y Phil Howard a la batería.

El sonido se mueve por los terrenos del avant-jazz pero sin llegar a ser demasiado pesado. Todo lo contrario, pasa de la intriga a la pasión, pasando por atmósferas pesadas a la vez que suaves. Poco sé de describir musicalmente un disco, pero no puedo dejar de irme de aquí sin recomendaros la escucha de al menos el tercer tema: Green and Orange Night (aquí), el cual posee uno de los mejores solos de saxo que he tenido el gusto de escuchar en mi corta vida.

Como siempre, aquí queda mi recomendación, poco más. Nos vemos la próxima semana.

The Keith Tippett Group - Dedicated to you, but you weren´t listening (1971)

1 This is What Happens (5:45)
2 Thoughts to Geoff (10:19)
3 Green and Orange Night (8:12)
4 Gridal Suite (6:13)
5 Five After Dawn (5:24)
6 Dedicated to You, But You Weren't Listening (0:36)
7 Black Horse (5:53)

Aquí

Guido Del Fabbro - Agrégats

Después de tanto tiempo sin subir nada (disculpen) os traigo este disco del aún por desgracia desconocido Guido Del Fabbro, un joven violinista que nació en Montréal en 1980, comenzó a tocar el instrumento a los cuatro años y a sobre los diez empezó a manifestar un preclaro gusto por la mezcla de improvisación y composición. Es además co-fundador, creador y compositor de la Mouvement de Musique Présente, un enorme y cambiante conjunto de músicos de tendencias poco convencionales.

Muy interesante trabajo que combina multitud de texturas, en ocasiones cercanas a una electrónica apagada, ligeramente trip-hop y analógica, como una reminiscencia noir. En otras, se puede entreveer una similitud lejana a Univers Zéro, llevando siempre el violín hacia terrenos desconocidos, con sonidos de cuerdas tratados en post-producción, hechos oscilantes y hermosísimamente definidos.

A pesar de tratarse de un trabajo tan peliagudo (di tú un adjetivo mejor para definir algo RIO...) con tanta dosis de improvisación y disonancias tan espectaculares, no cae en lo monótono ni en la chifladura máxima e infumable... sino que se mantiene con pasajes de lo más memorables, y si permitís un breve alarde de imaginación... es hasta bailable.

LINK

Savage Republic - Ceremonial + Trudge

Provinientes de Los Angeles con un sonido totalmente underground ochentero, avantguardista, post-punk, con toques industrial e incluso tribal. Guitarras estridentes, crudas y llenas de rabia. Percusión militar, exótica y minimalista. Melodías arabes que se funden con cantos primitivos.

Ellos son Savage Republic, un grupo de culto desde sus inicios con su debut "Tragic Figures" lanzado en 1981. Fundado por Bruce Licher (Scenic, Project 197, Them Rhythm Ants, Bridge, Independent Project Records), con claras influencias a PiL, Joy Division, Pink Floid, Throbbing Gristle y Neubauten entre otros más. Sin embargo, donde tuvieron más impacto por el público fue en los escenarios con sus directos: tribales, industriales e inspiradores para, por ejemplo, Neurosis, como ellos mismos no se cansan de confesar.

Canciones como "Trek", "Andelusia", "Walking Backwards", "Mediterranea", "A Thousand Years", "Dyonisius" o "Year of Exile" capturan la capacidad de evocación de sus sonidos.

Ceremonial + Trudge

Pochakaite Malko - Laya (2004)

Bueno, bueno, hola a todos de nuevo. Sé que últimamente tenemos un poco abandonado esto, así que me disculpo a todos ustedes, ultimamente andamos todos un poco faltos de tiempo, pero nos pondremos las pilas, confien en nosotros.

Hoy os hablaré de Pochakaite Malko, que aunque japoneses, su nombre curiosamente es una frase búlgara que significa "espera un minuto". El estilo de este grupo se mueve entre el avant-garde y el zeuhl. A lo largo de éste su segundo trabajo de estudio nos encontramos con un trabajo bastante curioso y atrayente, repleto de parajes algunas veces oscuros, otras alegres, otras enérgicas, repletos de exotismos y extravaganzas en los que destaca el violín del virtuosísimo Akihisa Tsuboy (proveniente de la gran banda jazz-fusion progresiva KBB), el cuál fué la última incorporación al grupo, irónicamente. El resto de la banda lo componen actualmente Kazuo Ogino (piano), Shigekazu Kuwahara (bajo) y Junzo Tateiwa (batería)

Pero como siempre, mejor que palabras en esto de la música, pues está la música. Aqui os dejo el primer tema del disco, vía youtube:

En fin, antes de dejaros os recuerdo a todos que hace poco estrenamos foro en el blog, así que ya sabeis, si os apetece podeis registraros y charlar con nosotros y entre vosotros todo lo que querais sobre vuestra melomanía ;)

¡Hasta la próxima!

Enlace

Koenji Hyakkei - Angherr Shisspa (2005)

Me encantaría empezar con alguna frase en relación al disco que hoy os traigo, pero sólo serian palabras sin sentido y sin significado, pero que suenan bien. Así es, hoy os traigo Zeuhl, amigos.

Y hace bastante tiempo que en el blog no subimos nada del género. Allá por los inicios subí uno de Magma, y Ruso subió uno de Ruins (qué tiempos, qué jóvenes, qué inocentes, qué todo...). Pues hoy hacemos una retrospectiva al Zeuhl japonés, repitiendo la fórmula del genialísimo baterista Tatsuya Yoshida, gran maestro y una de las figuras mas representativas del underground nipón.

Este hombre, a parte de liderar el dúo frenético desquiciante de Ruins, lidera otra banda más actual de avant-prog zeuhl llamada, cómo ya sabreis por el título: Koenji Hyakkei o Koenjihyakkei, que viene a significar algo así como "Cien miradas de Koeji". Vienen funcionando desde 1991, y este álbum, titulado Anguerr Shisspa, es su cuarto y último trabajo hasta la fecha.

Se trata de una propuesta quizás más adsequible que el trabajo que Yoshida produjo en el dueto Ruins, pero sin que con esto suponga una menor calidad, por supuesto. Nos encontramos ante un sonido que mucho nos recuerda a los franceses Magma, pero mucho mas frenético. La fórmula es esa música intrigante que va y vuelve del rock al jazz, a veces libiano, a veces caótico y pesado, protagonizados por cantos de opera en un idioma que mucho tiene de parentesco con el Kobaïan. Todo llevado a cabo con un tecnicismo y un talento asombrosos, como no podría ser de otra manera, tratándose de Tatsuya Yoshida.

Si eres de esas personas que a veces se aburre del orden y el falso sentido que reina nuestro día a día, tienes que escuchar a estos chicos. Seguro que no te decepcionan. Más no se puede añadir del Zeuhl, o lo amas fervientemente como yo, o te produce rechazo, como muchas cosas en esta vida.

A mi gusto personal, una de las mejores obras del género.

Descarga aquí el disco (Calidad 320kbps mp3)

Segundo tema: Rattims Friezz: Vía youtube
Tema homónimo del disco: Vía youtube

Francis Seyrig - L'Année dernière à Marienbad

Como amante de la música de George Delerue, la Nouvelle Vague y de las bandas sonoras en general, hoy os traigo la de una película tan impresionante que incluso podría calificar como mi película favorita*

En este laberinto órfico que es la trama, el trabajo íntegramente compuesto para órgano por el hermano de la protagonista, Francis Seyrig, se muestra como difícil de digerir, histriónico, y en algunas partes, llega a rozar el serialismo, y únicamente actúa para añadir un aura de misterio aún mayor si cabe a la historia, la cual está magistralmente fotografiada y es paradigma de un estilo muy apreciado y continuado por el surrealismo, el estilo onírico.

LINK

*pero no lo hago de forma definitiva porque me es
imposible ceñirme a una única película favorita...

Después de Nunca

Trabajo sin título que ve la luz en 1999 por ex-miembros del legendario grupo del underground español 713avo Amor y encabezado por el batería Emilio Salvatierra y por la voz y guitarra de Carlos Desastre.

Cuando escuchas este disco por primera vez te vienen a la mente conceptos como la escritura automática, el concepto proto-industrial del drone y la lírica surrealista, que aún siendo como tal si se escucha con atención puede generar más de una conexión con el mundo real. El resultado es un trabajo realmente ecléctico y personal, altamente introspectivo y hermético.

"El Amor es Gasolina,

para los coches que somos:

viejos prototipos

olvidados

por la razón

mercantilista."

Subversiva y provocadora mezcolanza de líricas sobre Dios, las relaciones humanas y el futuro más que incierto y casi apocalíptico. Ven y mira, entra en este viaje interior de casi una hora, sumergida entre mares de rugientes guitarras disonantes y gritos, expresando visiones y describiendo escenas desgarradoras.

Y por si no había quedado claro, recuerda que

"cuando no gritas, las emociones se pudren."

Link

Iannis Xenakis - Metastasis Pithoprakta Eonta / Music for Strings

"Iannis Xenakis (Γιάννης Ξενάκης, también transliterado en francés como Yannis Xénakis), fue un compositor y arquitecto de ascendencia griega nacido el 29 de mayo de 1922 en Brăila, Rumania; se nacionalizó francés y pasó gran parte de su vida en París, donde murió el 4 de febrero de 2001. Es aclamado como uno de los compositores más importantes de la música contemporánea.

Ya en Metastasis, Xenakis muestra un alejamiento radical de las tendencias preponderantes en la vanguardia de la época, dominada por el serialismo (como su nombre lo indica, es una técnica de composición basada en series) y el post-serialismo. La obra plantea densos bloques sonoros, con los instrumentos de cuerda haciendo glissandos de diferentes velocidades, configuran masas y superficies de variadas texturas. Pero además de su radical estética «brutalista», esta obra resultó revolucionaria por su modalidad compositiva, en la que las densidades, las texturas, y los comportamientos individuales de los eventos estaban determinadas por procesos formales basados en leyes estadísticas y probabilísticas. De esta manera Xenakis se muestra igualmente distante del pensamiento de ordenamiento lineal de los serialistas y pos-serialistas, como de la indeterminación aleatoria que había iniciado John Cage, y que estaba comenzando a tener sus repercusiones entre los compositores europeos."

Ante todo, os ruego que me disculpéis por haber adjuntado una descripción precocinada, aun a modo de introducción, para tan hermética obra. Quizá porque sólo puedo decir que con Xenakis pueden llegar a oírse notas que ni siquiera existen, verse colores nunca antes concebidos y sentir una tensión que ninguna banda sonora ha sido capaz de igualar hasta el momento. Una música más centrada en estructuras y expresiones matemáticas que en cualquier otra cosa.

¿Recordáis esa escena de King Kong cuando el mono gigante les arroja por aquella garganta a un foso plagado de insectos gigantes que los van devorando poco a poco? Pues viene siendo algo parecido. Aún así, puede llegar a ser una música más que inescrutable, tremendamente disfrutable también, en contra de lo que la mayoría de la gente creería...

Como de costumbre, espero que lo disfruten.

LINK (2 CD)

Fantômas - The Director's Cut (2001)

Mike Patton (Mr. Bungle, Faith No More) ha sorprendido, sorprende y esperemos siga sorprendiendo por muchos años más. Este es el segundo disco del supergrupo Fantômas, integrado por el mismo y Buzz Osborne (guitarra, The Melvins), Dave Lombardo (batería, Slayer) y Trevor Dunn (bajista, Mr. Bungle, John Zorn, Secret Chiefs)

Se trata de un trabajo altamente recomendable, el cual se compone de versiones de famosas bandas sonoras del séptimo arte, todas ellas siguiendo un estilo característico que hace que en ocasiones sea difícil reconocer el origen de éstas.

Sin duda, una joya (o cuanto menos un trabajo muy interesante) para cualquier cinéfilo con intereses en la escena avant-metal.

LINK

Captain Beefheart- Trout mask replica

Don Van Vliet, también conocido como Captain Beefheart (traducción literal; Capitán Corazón de Vaca) nació a mediados de los años 40’, en el distrito de Cucamonga (California - EEUU).

Artista que no se limita a la música, sujeto a un eclecticismo y libertad creativa etiquetada por muchos de enfermiza; por lo iconoclasta y surrealista de su hacer.

Su obra musical más aclamada es Trout Mask Replica, proyecto que conformó con su banda de soporte. Experimento libre de poesía, disonancia y atonalidad en ritmica sincopada, fragmentada, que a extrañeza de antiguos rankings musicales supo vender un considerable número de copias (sobre todo para semejante obra experimental). Quizás gracias al «de boca en boca» de los músicos contemporáneos (cabe destacar a Frank Zappa, productor del disco). Comentan los escuchas que se requiere de cierta predisposición intelectual y dósis de paciencia a lo «extraño» para apreciar este y demas discos suyos.

Anteriormente se editan trabajos donde hay cierto acercamiento y inmersion al avant garde. Posterior a Trout Mask Replica hay tres discos editados en los 70’s donde continua la víaa experimental, para luego crear con un enfoque de mayor semejanza a los estándares de la época.

Enlace: http://www.mediafire.com/?wdz0a94954bnzuw

The Velvet Underground- The Velvet Underground & Nico

"Sin Velvet Underground la música moderna no sería como la que suena ahora" . El Punk no sería tal es estilo. El vanguardismo se hubiera quedado en un movimiento musical académico. No existiría una generación de Rockeros influenciados por la voz de Lou Reed.

Corre la frívola época de los sesenta, donde centenares de bandas hablan sobre el complejo concepto del amor bajo cielos de ácido. Mientras tanto Velvet Underground se dedica a preparar canciones sobre temas tan controvertidos en esa época como por ejemplo las drogas, sexo o el sadomasoquísmo. Todos mezclados con una nube de distorsión, noise, disonacia o como lo queráis llamar.

Lo cierto es que tuvieron suerte que un señor voyeur como Andy Warhol los escuchase en un garito de música Underground. Nada más oírlos quiso levantarlos, beneficiándose económicamente eso sí, el arte Pop no se hace por amor al arte. Al contratarlos Warhol los obligó a que contásen con la presencia de la modelo Nico en su primer disco, cosa que no les moló mucho.

Ya en su segundo disco "White light/White heat" expulsaron a Warhol y Nico. Este segundo trabajo es casi una obra conceptual antibelleza o antisonora y que creció más su mito.

Los dos discos posteriores decrecieron un poco en calidad al no contar con la presencia de John Cale el cual era el artífice de todas las movidas vanguardistas en la banda. La leyenda de esta banda en la música Underground se puede equiparar a la de los Beatles o los Rolling Stones.

Espero que disfruten de este trabajo excepcional.

Enlace: http://www.mediafire.com/?iyjnm0mty2k

John Zorn (Naked city) - Naked City

John Zorn, compositor y saxofonista estadounidense. Músico de gran creatividad que ha asimilado multitud de influencias y siempre ha sentido predilección por la escena underground y las propuestas extremas y arriesgadas. Es a su vez dueño de un sello discográfico (Tzadik) inaugurado en 1995 a través del cual edita sus propios discos (ya más de cien), además de los de multitud de artistas de la escena vanguardista. Ha trabajado en múltiples proyectos a cual más arriesgado. Masada es uno de ellos, un grupo de jazz con influencias muy variadas, abiertos a la improvisación han editado más de diez discos de estudio y sus respectivos directos. También ha trabajado el mundo de las bandas sonoras; lleva editados 17 discos de sus filmworks en los cuales recolecta estos temas. Por último, ha grabado discos en solitario y múltiples experimentos musicales para dibujos animados, programaciones imposibles, sonidos abstractos, piezas de cámara, conciertos para piano y un sinfin de ideas desarrolladas junto a diversos músicos.

Zorn nació en Nueva York en 1953, aprendió a tocar otros instrumentos antes de comenzar a tocar el saxofón y aprender composición allá por 1970. Tiene un método compositivo por el cual se crean diversas imágenes y momentos musicales que luego son estructurados y ordenados. Es uno de los máximos exponentes del noise-music, un estilo collage que fusiona el free, sonidos electrónicos, efectos, voces deformadas, etc. Zorn se introdujo en el jazz llevado por su pasión hacia la música contemporánea y tras escuchar a gente como John Milton, John Cage y Stockhausen, entre otros, amen de importantes influencias de la vanguardia, como Anthony Braxton. En su música descubrimos también influencias de Ennio Morricone y otros compositores de bandas sonoras, reminiscencias de la cultura judía e inspiración en los músicos-compositores Harry Partch, Charles Ives, etc.

El grupo en concreto de este disco es Naked city, el cual tiene influencias del avant garde, grindcore y Jazz.

Enlace: http://www.mediafire.com/?mjjmkkzmyty